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Kings Of Leon - All Inclusive: Collection

Kings Of Leon - All Inclusive: Collection
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Kings Of Leon - All Inclusive: Collection
Über die Alben der Kings Of Leon muss nicht mehr viel gesagt werden. Fünf Studioalben hat die Band im Laufe der Jahre veröffentlicht und wohl jeder kennt irgendein Stück der Band. Man denke nur an Revelry, Sex On Fire, True Love Way, Use Somebody, Pyro, Radioactive und so weiter. Tolle Songs einer großartigen Band, die sich selbst und ihre Musik ständig weiter entwickelt. Mir gefallen deshalb die neueren, zunehmend reiferen Stücke der Alben Because Of The Times, Only By The Night und Come Around Sundown besser als die rohen, ungeschliffenen, vielleicht rebellischer klingenden Stücke von der Aha Shake Heartbreak oder der Youth & Young Manhood. Seit dem 2010 veröffentlichten Come Around Sundown hat die Band kein Album veröffentlicht und Anfragen nach einem neuen Album werden gar nicht oder abwehrend - aber nicht direkt negativ - beantwortet. Wohl um die Fans zu beruhigen und der Band Luft zu verschaffen, wurde jetzt The Collection veröffentlicht. Die Box enthält alle fünf Studioalben der Band (siehe oben) und zusätzlich eine DVD mit dem Konzertmitschnitt "Live At The O2 London, England" von 2009 auf DVD. Alleine wegen der Menge Material ist The Collection ein Schnäppchen. Ich habe den Eindruck, die Alben wurden neu gemastert, aber ganz sicher bin ich mir da nicht. Jedoch heißt es über die fünf Alben der "The Collection" auf der Webseite der Band, es wären "definitive editions" - was immer das heißen mag. Zumindest die Stücke des Albums Only By The Night sind jeweils ein Tickchen gekürzt: Die Pausen im Intro und Outro wurden gekürzt. Für mich klingen speziell die älteren Alben ein wenig dynamischer als die Versionen in meiner Sammlung, aber das kann täuschen. Zusätzlich ist vom Only By The Night in der Collection die in Deutschland ursprünglich nicht erhältliche import-Version in der Box, die im Gegensatz zur hier vertriebenen Version nicht nur ein anderes Cover hat, sondern auch noch einen Song mehr enthält (The Bucket [CSS Remix]). The Collection ist eine sehr gelungene Werkschau der Kings Of Leon. Wer die die Band mag und noch Lücken in der Sammlung hat, kann bei The Collection bedenkenlos zugreifen. Alleine die DVD mit dem Konzertmitschnitt lohnt die Anschaffung. Kings Of Leon - The Collection ist erschien am 10.05.2013 bei Sony Music Webseite der Band: www.kingsofleon.com
Buchbesprechung: Marc Halupczok - Louis de Funès
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Buchbesprechung: Marc Halupczok - Louis de Funès
Marc Halupczok: Louis de Funès Die soeben bei U-Line erschienene Biografie „Louis de Funès: Hommage an eine unsterbliche Legende“ ist ein schöner Anlass, eines der größten europäischen Filmtalente der 70er Jahre posthum zu würdigen. De Funès war nicht der Klamauk-Darsteller, als den die meisten ihn betrachteten, sondern ein Charakterschauspieler. Und die Rolle, die in Vollkommenheit beherrschtee, war die des Spießers, des fiesen und feigen, rachsüchtigen und selbstmitleidigen Beamten, der nach oben buckelt und nach unten tritt. Am deutlichsten wird dies in einer Filmszene, in der er als Gendarm von St.Tropez seinem Vorgesetzten gegenübersteht, als dieser degradiert wird. Mit einem Kameratrick wird die triumphierende Gestalt de Funès immer größer, während sein Gegenüber zum Zwerg schrumpft. Aber natürlich ist der Aufstieg nur von kurzer Dauer. Die Ordnung wird wieder hergestellt, und der Gendarm schrumpft wieder auf Normalgröße, um sich der größten Bedrohung der Gesellschaft zu widmen: Menschen, die es wagen, an seinem Strand nackt zu baden. Eine weitere meiner Lieblingsszenen zeigt de Funès dabei, wie er ein Orchester vom Tonband dirigiert. Er unterbricht, beschimpft die Musiker, spult zurück und beginnt von vorne. Ein Haustyrann muss schließlich in Übung bleiben. Marc Halupczoks Biografie berichtet nun vom wahren Louis de Funès, dem unermüdlichen Darsteller, der anfangs in erbärmlichen kleinen Rollen auftrat, um seine Familie ernähren zu können. Der dann zum Publikumsliebling und Schlossbesitzer aufstieg, aber seinem Erfolg niemals traute und immer weiter schuftete, was wohl zu einem unnötig frühen Tod führte. Das Buch eignet sich zum Schmökern und zum Schwelgen in eigenen Fernseherinnerungen. Allerdings wäre eine Filmografie hilfreich gewesen. Aber Hauptsache, der 1983 verstorbene Schauspieler kommt zu seinem Recht. Ein Liebhaberbuch. Mit kleinen Abstrichen: Daumen hoch! Marc Halupczok: Louis de Funès. Hommage an eine unsterbliche Legende. Ubooks/U-Line 2013. 237 S. mit zahlr. Abbildungen, EUR 14,95.
Alexa Hennig von Lange
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Alexa Hennig von Lange
ite ich mich auf ein Interview vor, bekomme ich unweigerlich einen Eindruck von dem, was uns da, wer uns da erwarten könnte. Vor allem als ich ältere Interviews von Alexa durchsah, dachte ich mir so ganz klammheimlich und leise: das kann spannend werden. Nein. Wurde es nicht! Es war angenehm, abwechslungsreich und interessant. Ich hoffe ihr empfindet es auch so! Im Mittelpunkt des Gespräches standen Alexas aktueller Thriller "Der Atem der Angst", ihre wilden Jahre in Hannover, ihre Ängste und ... das "sich finden". Es war schön Alexa Hennig von Lange kennen lernen zu dürfen. Alexa Hennig von Lange, Der Atem der Angst, Paperback, Klappenbroschur, 416 Seiten, 13,5 x 21,5 cm, ISBN: 978-3-570-16092-3, € 14,99 [D] erschienen bei Randomhouse/CBT.
Kate Bush - Under the Ivy
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Kate Bush - Under the Ivy
Kate Bush - Under the Ivy Immer wieder bringt Großbritannien Frauen hervor, die zartesten Alter Werke erschaffen, die zu Klassikern werden, wie z.B. Mary W. Shelley, die mit neunzehn Jahren den ultra-düsteren Roman „Frankenstein“ schrieb. Das war 1818, dem Geburtsjahr von Emily Brontë, einer weiteren genialen englischen Schriftstellerin, der wir die Schauerromanze „Sturmhöhe“ verdanken, im englischen Original: „Wuthering Heights“. Schon mal gehört? Natürlich, das war doch die Single, mit der 1978 die gerade erst volljährige Kate Bush in den Pop-Himmel schoss. Emily Brontë wurde als reserviert, starrsinnig und schroff beschrieben, eine Eigenbrötlerin, aber irgendwie auch unwiderstehlich, dabei von geradezu beängstigender Intelligenz. Das klingt sehr nach Kate Bush, aber genau konnten wir das bisher nicht wissen, denn die Musikerin hielt ihr Privatleben bisher tunlichst unter Verschluss. In der mir bisher einzigen bekannten Kate-Bush-Biografie von Rob Jovanovic erfahren wir nichts über die „Person Kate Bush“. Aber nun ist ein kleines Wunder geschehen: Die Bosworth Edition veröffentlicht eine sehr persönliche Kate Bush-Biografie in deutscher Sprache. „Under the Ivy“ aus der Feder von Graeme Thomson. Dem Musikautor verdanken wir bereits die wunderbare Monografie über die American Recordings von Johnny Cash (Besprechung: http://www.60minuten.net/?p=3751). Nun hat Graeme Thomson das Efeu um den Elfenturm beiseite geschoben und lässt uns – endlich – durch das Fenster in Rapunzels Zimmer schauen. Und wie ist Kate Bush denn so – persönlich? Nun, sagt die Biografie, sehr bodenständig, „abgesehen davon, dass sich jeder Mann im Raum sofort in sie verliebt“. An dieser Stelle muss ich mich ausdrücklich bei Bosworth Edition bedanken. Wegen des Rezensionsexemplars gab es zwischen mir und Viktor einen erbitterten Streit. Um das Weiterbestehen von 60Minuten nicht zu gefährden, schickte der Verlag ein zweites Exemplar. Und so konnte jeder von uns beiden sich mit seinem Schatz in eine Ecke verkriechen, sich in das Buch vertiefen und seinen Erinnerungen frönen. Was erfahren wir nun über das Leben der Kate Bush? In erster Linie lernen wir, wie positiv sich ein behütetes Elternhaus auf künstlerische Tätigkeit auswirken kann. Eine wohlhabende Arztfamilie, die Kate neben materieller Sicherheit einen intellektuellen Reichtum bot, von dem sie Zeit ihres Lebens profitierte. Von zwei älteren musikalischen Brüdern gehätschelt und gefördert komponiert die Siebzehnjährige Stücke am Klavier, die den Pink Floyd-Gitarristen David Gilmour aufmerksam werden lassen. Er sucht für Kate einen Produzenten, und weil die Produzenten zu feige sind, produziert er die Musik des jungen Ausnahmetalents selbst. Das Buch berichtet minutiös von der Entstehung jedes Albums. Dabei interessierten mich die Interpretationen der Stücke durch den Autor überhaupt nicht, das mache ich seit 25 Jahren selbst. Spannend ist dagegen der subtile Machtkampf zwischen Musikerin und Plattenfirma, der insgesamt beiden zur Ehre gereicht. So lässt Kate Bush sich nicht korrumpieren, um hitverdächtige Lieder zu produzieren. Und die EMI ist klug genug, die eigenwillige Künstlerin gewähren zu lassen. So entsteht das sensationelle Debüt „The Kick Inside“, das plüschig-geheimnisvolle Folgealbum „Lionheart“, die Platte „Never for Ever“ mit dem Hit „Babooshka“ und als viertes ein Werk, das ich persönlich als den unwiederholbaren Höhepunkt ihres Schaffens betrachte: „The Dreaming“. Noch nie, so berichtet die Biografie, war EMI so kurz davor, den roten Knopf zu drücken und ein Album nicht zu produzieren. Zum Glück setzte Kate Bush sich wiederum durch: die Platte ist ein Wunder und jedes einzelne Stück darauf ein Meilenstein. Das ganze Leben ist darin enthalten, Liebe, Hass, Tod, Mystik – nur ein Hit ist darauf nicht zu finden. Kate vergalt es der frustrationstoleranten Plattenfirma mit dem Folgealbum „Hounds of Love“: „Running Up that Hill“ belohnte mit internationalem Ruhm und kommerziellem Erfolg. Was in den folgenden Jahren dann an Musik kam, ist für Fans wie mich eher enttäuschend gewesen. Das jüngste, was ich von Kate Bush gehört habe, ist die vorletzte Veröffentlichung, die Doppel-CD „Aerial“, auf der sie ungewohnt offen über ihr Lebens- und Kinderglück erzählt. Schön für sie, im Leben angekommen zu sein – nicht gut für ihre Musik. Aber es sei ihr gegönnt. Und jetzt in ihren 50ern (wenn es gentlemanlike ist, das zu erwähnen) sieht sie wohl auch den Starrummel um sie so locker, dass eine Biografie über sie erscheint, in der zumindest einmal herrlicher Tratsch zu lesen ist: Als Kate Bush mit Peter Gabriel das Duo „Don’t give up“ sang, fragten wir uns alle: Haben die etwas miteinander...? Nein, informiert uns Sinead O’Connor. Peter Gabriel habe jede, wirklich jede Frau bekommen, die er haben wollte (auch Sinead). Nur eine nicht: Kate Bush. Und dafür lieben wir sie umso mehr... Kate Bush - Under the Ivy, die Biografie von Graeme Thompson. Deutsche Erstausgabe. Herausgeber: Bosworth Music, EAN: 9783865437488, BOE: BOE7651, Preis: 29,95 €, VÖ-Datum: 11.03.2013
Dicke Backen Rock: Black Rebel Motorcycle Club.
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Dicke Backen Rock: Black Rebel Motorcycle Club.
Das Rocktrio Black Rebel Motorcycle Club aus San Francisco hat mit Specter At The Feast das sechste Studioalbum veröffentlicht. Es steht sehr in der Tradition der Band: schwarze Lederjacken, schwarze T-Shirts, dunkle Sonnenbrillen und intensives den Fußboden Anstarren sind deutliche Hinweise darauf, dass auch dieses Album eher kein Surfin' USA ist. Black Rebel Motorcycle Club machen Rock der düsteren Art, der stilistisch an die Black Crowes und Oasis erinnert, dabei aber für mich lässiger, entspannter und weniger stressig rüberkommt. Die Songs auf Specter At The Feast sind genau das, was man - mit Ausnahme des The Effects Of 333 - von Black Rebel Motorcycle Club kennt und als Fan wohl auch erwartet. Die Band hat es einfach drauf und verzichtet wohl deshalb auf großartige Neuerungen oder Experimente jenseits ihrer "normalen" Experimente. Sie hat das einfach nicht nötig. Der Rock der Band ist intensiv und dicht, mal schleppend, abgefuckt, mal galoppierend, schweißtreibend. Der Bassteppich, den die Band ausrollt, ist dick und wuchtig. Den Alarm, den diese drei Jungs losmachen, lässt die Performance etlicher anderer Bands ziemlich dünn erscheinen. Das Wechselspiel zwischen progressivem, sphärischem Spiel und brachialem Abrocken ist genial und lässt im Haus die Wände wackeln. Dennoch ist Specter At The Feast von Black Rebel Motorcycle Club kein einfaches Album. Die Musik ist so dicht, so komplex, so vielschichtig und zum Teil auch experimentell, dass ich das Album einige Zeit lang nicht verstanden habe. Es war mir eine Nummer zu groß. Aber die Band und ich haben zueinander gefunden, sehr zum Leidwesen meiner Nachbarn. Deren Bude erbebt immer wieder unter dem gnadenlosen Ansturm des Black Rebel Motorcycle Club. Specter At The Feast ist Musik einer Band, die weiß, wie es geht. Black Rebel Motorcycle Club beweisen einmal mehr, dass sie ihre Instrumente überragend beherrschen. Hat man sich die Musik und das Album erschlossen, ist es ein umwerfendes Erlebnis, auch wenn der Weg dahin für manchen etwas steinig sein könnte. Specter At The Feast von Black Rebel Motorcycle Club ist erschienen am 20. März 2013 bei Universal. Webseite der Band: http://blackrebelmotorcycleclub.com/
Fitzek / Tsokos und das erotische Knistern
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Fitzek / Tsokos und das erotische Knistern
In den letzten Monaten haben wir hauptsächlich mit Buchautoren geredet. Das ist daraus geworden, das erste Interview ist online! Besser als Sebastian Fitzek auf seiner Facebook-Seite kann ich es nicht beschreiben: "Michael Tsokos und ich im Video u.a. über die Frage, ob die Realität wirklich grausamer ist als die Fiktion, über unsere nächsten Projekte und ob das "erotische Knistern" zwischen uns schon vorbei ist - oder wir uns noch eine weitere Zusammenarbeit vorstellen könnten ..." Sebastian Fitzek bei Facebook Sebastian Fitzek Homepage Michael Tsokos bei Facebook Michael Tsokos Homepage Verlagsgruppe Droemer Knaur buch.de *Das Beitragsbild stammt von der Webseite der Verlagsgruppe Droemer Knaur
Sevendust verdunkeln die Sonne
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Sevendust verdunkeln die Sonne
Black Out The Sun, das neue Album von Sevendust, lässt hier gerade die Gläser im Schrank klirren. Im Grenzbereich zwischen Metal und Rock tobt sich die Band aus Atlanta, Georgia, in meinem Wohnzimmer aus. Meine Nachbarn bevorzugen allerdings eher Begriffe wie "Ruhestörung" oder "Lärmbelästigung", wenn sie über dieses Album sprechen. Verstehe ich gar nicht. Manchen kann man es einfach nicht recht machen. "Selber Schuld" sage ich da nur. Sevendust langen gut zu. Das Album ist nichts für Schlafmützen. Sevendust zeigen, dass sie nicht nur eine Spielart beherrschen, sondern auch rechts und links davon noch eine Menge geile Musik zu bieten haben. Black Out The Sun rockt! Es ballert! Mir gefällt, dass sich die Band traut, verschiedene, scheinbar widersprüchliche Eindrücke zu hinterlassen. Mir gefallen die Stücke etwas weiter weg vom Metal zwar besser, aber das ist reine Geschmackssache. Das Album passt. Es ist kein planloses Rumgekreische, kein hirnloses Gedresche, wie ich es in letzter Zeit einige Male erleben musste. Die Band kann spielen und beim Zuhören entsteht der Eindruck, dass die Jungs das tun, weil sie es wollen und nicht, weil sie müssen. Die Musik wirkt frei, ungezwungen, entspannt und ehrlich. Die Stimmung, die beim Hören 'rüberkommt, ist entsprechend. Sevendust haben ein solides Album hingelegt, das ein paar bemerkenswerte Tracks bietet: Decay ist unbedingt einer der besten Songs der Band. Got A Feeling ist rundherum großartig und beim Text von Black Out The Sun lohnt sich das Zuhören. Insgesamt finde ich das Album Black Out The Sun zwar nicht ganz so genial wie das Cold Day Memory, aber es ist ohne Zweifel gut. Fans des handfesten, harten Rock sollten auf jeden Fall zugreifen. Sevendust - Black Out The Sun erscheint am 17.05.2013 bei Rykodisc (Warner) Webseite der Band: http://www.sevendust.com/
b.o.s.c.h. lassen den Apparat Gas geben!
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b.o.s.c.h. lassen den Apparat Gas geben!
Die Jungs von b.o.s.c.h. aus Wilhelmshaven haben mich auf dem 1. OGT von sich und ihrer Musik überzeugt: Prima Jungs, die ehrlichen, gradlinigen, sauberen, modernen Metal machen. Mit dem Album Apparat emanzipiert sich die Band zusehends von ihren Vorbildern, allerdings gelingt das Abnabeln noch nicht so ganz. Vielleicht hat die Band doch noch ein wenig Respekt davor, mit den Großen ins Tiefe zu gehen? Insgesamt ist die Leistung der Band auf dem neuen Album Apparat trotzdem mindestens bemerkenswert. Die zusehends deutlicher hervortretende, eigene Handschrift kann ich gar nicht hoch genug loben: Apparat ist frisch, dynamisch, modern. Die Texte sind tief schwarz, aber kein Emo-Gewinsel. Sie gaukeln keine heile Welt vor, sind aber auch kein depressives Vollbad. b.o.s.c.h. traut sich zu experimentieren und das Resultat ist richtig gut. Apparat ist ein Poweralbum, mit dem die Band einerseits sehr straighten Metal liefert, andererseits aber auch neue, kreative Varianten ausprobiert. Die vorsichtig verwendeten elektronischen Anteile unterstreichen die Stimmung des Albums. Gut finde ich, dass die Band nicht den Eindruck aufkommen lässt, sie wolle zu sehr in Richtung Electroclash oder Industrial gehen: Die Band bedient sich bei den Stilmitteln, aber sie wechselt nicht das Ufer. Souverän gelingt die Gratwanderung entlang des elektronisch unterstützen Metal. Die Emotionen kommen ungeschminkt, beinahe brutal rüber, aber die Mischung stimmt! b.o.s.c.h. legt ein gelungenes zweites Album vor. Mir gefällt der Fortschritt, den b.o.s.c.h. gemacht hat. Ja, hier und da ist mir das Verneigen in Richtung anderer Bands zu sehr ein Anlehnen, beinahe ein Aufstützen, das die Band das gar nicht nötig hat. Es sind gerade die eigenen Songs, diejenigen, mit der ganz eigenen Handschrift, mit denen b.o.s.c.h. brilliert, und gerade wegen dieser Songs ist Apparat ein richtig tolles Album. Meine Anspieltipps zum Kennenlernen der neuen Nachbarn sind "Meine Welt", "Ein Augenblick" und "Amok". Apparat von b.o.s.c.h. erscheint am 24.05.2013 bei Mig-Dott (Sony Music) Webseite der Band: http://www.bosch-music.de/
Robben Ford, Berlin, Kesselhaus, 14.April 2013
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Robben Ford, Berlin, Kesselhaus, 14.April 2013
Zartbittere Geschichten: Katherine Mansfield
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Zartbittere Geschichten: Katherine Mansfield
Katherine Mansfield - Glück und andere Meistererzählungen Was ist eigentlich ein moderner Klassiker? Ein moderner Klassiker ist ein Buch, das zwar vor hundert Jahren geschrieben wurde, aber so klingt als sei es von heute. Solche modernen Klassiker sind die Erzählungen der britisch-neuseeländischen Schriftstellerin Katherine Mansfield (1888-1923). Sie dienen als Vorbild für so ziemlich alle Kurzgeschichten, die seitdem geschrieben wurden: von den staubtrockenen short stories eines Ernest Hemingway bis zu den Texten Judith Hermanns und Ingo Schulzes. Wer also Lust hat, einen Klassiker der Moderne kennenzulenen, der muss sich nicht auf einen der schwierigen Romane von Virginia Woolf, der Rivalin und Zeitgenossin Mansfields, einlassen. Er kann stattdessen zu dem wundervollen Bändchen „Glück. Meistererzählungen“ greifen, das der Schweizer Diogenes-Verlag im Herbst vergangenen Jahres herausgebracht hat. Ein gutes Dutzend Geschichten über Paare, die sich um ein Gespräch mühen, sich aber nichts mehr zu sagen haben. Liebende, die niemals zueinander finden, weil keiner von beiden den Mund aufbekommt. Sie erzählen wie die Titelgeschichte vom Glück, das seitenweise beschrieben und dann im vorletzten Absatz durch eine Kleinigkeit vollständig zerstört wird. Meine Lieblingsgeschichte, „Ihr erster Ball“, berichtet von der blutjungen Leila, der ein fetter alter Tanzpartner prophezeit, wie sie enden wird: „Ihre schönen Arme werden sich in kurze, dicke Arme verwandelt haben, und Sie werden andauernd lächeln und auf Ihre Tochter deuten und der ältlichen Dame neben Ihnen erzählen, dass ein abscheulicher Mann auf dem Klubball sie küssen wolle...“ Leila ist schockiert, wendet sich ab – und hat einen Moment später alles vergessen, was der dicke Mann ihr gesagt hat. Das drohende Ende schärfte ihren Blick für Kleinigkeiten, das flüchtige Glück eines Sonnenstrahls durchs Fenster, das Lied eines Kanarienvogels aus der Nachbarwohnung... Im Lied „Time“ auf Pink Floyds „Dark Side of the Moon“ (auch so ein Klassiker der Moderne) heißt es: „Hangin’ on in quiet desperation is the English way...“ Dies könnte als Motto über allen Erzählungen Katherine Mansfields stehen. Es wird niemals laut in ihren Geschichten, alles Dramatische geschieht zwischen den Zeilen. Und all diese Dramen könnten sich auch heute bei uns abspielen, nur anstatt in der Pferdekutsche in der U-Bahn. Ein Vorwort erzählt auf wenigen Seiten vom Leben Katherine Mansfields, das ihren Erzählungen an Tragik nicht nachsteht: nach einer glücklichen Kindheit in Neuseeland das unstete Dasein als freie Künstlerin, Liebesbeziehungen mit falschen Männern, schließlich der frühe Tod an Tuberkulose. Das drohende Ende schärfte ihren Blick für Kleinigkeiten, das flüchtige Glück eines Sonnenstrahls durchs Fenster, das Lied eines Kanarienvogels aus der Nachbarwohnung... Bitter? Na klar, zartbitter wie die Schokolade. Aber diese leichte Bitterkeit macht den Reiz aus. Ebenfalls im Herbst vergangenen Jahres hat der Diogenes-Verlag sämtliche Erzählungen der Mansfield herausgebracht: zwei Bände im Schuber. Falls jemand durch das Bändchen auf den Geschmack kommt. Katherine Mansfield: Glück und andere Meistererzählungen. Aus dem Englischen von Elisabeth Schnack. Diogenes Verlag 2012. 400 S., 9,90 Euro. Bildquelle: @ Diogenes Verlag. Die Buchsprechung aus unserer Sendung auf 88vier.net vom 14.04.2013 Wer mehr über Katherine Mansfield erfahren möchte: Katherine Mansfield Im Portrait: Downloadlink zum Diogenes - Magazin
Sound City - That's it man
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Sound City - That's it man
Wenn ein Musiker den Schritt zum Film wagt, ist das meistens... nun ja, "tapfer". Wenn Musiker glauben, sie wären Filmstars oder noch besser, wenn sie glauben, sie wären Regisseure, dann endet das zu oft in einem selbstverliebten Fiasko. Und jetzt stellt sich Dave Grohl hin und macht einen Film. Eine Dokumentation. Über... ein Mischpult? Echt jetzt? Sound City war ein Studio. In diesem Studio entstand in 16 Tagen im Sommer 1991 Nevermind. Sound City, der Film, ist nicht die Geschichte dieses Albums. Nevermind ist vielmehr der Grund für diesen Film. Dave Grohl: "If it wasn't this place and this console, I wouldn't be here today." Ja, die Entstehung von Nevermind wird gewürdigt. Auch Nirvana als Band und Phänomen wird Platz eingeräumt. Aber dieser Film ist weit mehr als ein gefilmter Rundgang an einem Ort, über den Dave sagt: "This place was a little more fucked up than I thought it should be." Und oh boy, dieses Studio ist ein Dreckloch. Eine Müllhalde. Aber Sound City war eben Sound City. Hier entstanden so unglaublich viele Welterfolge, dass schon der Versuch sie zu zählen albern ist. "This is hollowed ground". Dave Grohl erzählt die Geschichte analog produzierter Rock Musik. Er erzählt, wie sie in den 60er, 70er Jahren produziert wurde und er erzählt diese Geschichte nicht selbst, sondern er lässt die zu Wort kommen, die auch etwas zu sagen haben - ungeschminkt. Es ist sehr erfrischend, von großartigen Menschen, großen Talenten zu hören, wie sie über das denken, was sie tun, wie und warum sie es tun, und welche Rolle die Neve dabei gespielt hat. Es wühlt auf und zwingt zum Nachdenken. Es dauert einige Zeit, bevor sich die Teile zusammenfügen und wie klar wird, warum dieses Mischpult, diese einzigartige Neve, diese einmalige 8028 Konsole, untrennbares und zentrales Element für so viele Musiker und so viel große Musik ist. Es dauert, bevor es laut und vernehmlich "klick" macht und das Begreifen einsetzt: Es geht nicht um "die Technik". Es geht eben nicht um den Schwanzvergleich. Es geht nicht darum zu zeigen, wer den Längsten und das meiste Geld hat. Es geht nicht darum zu zeigen, dass früher alles besser war. Es geht auch nicht darum zu zeigen, dass ausschließlich dieses Studio hervorragende Musik produziert hat. Es geht darum, dass Technik alleine, ein Studio alleine, aber auch ein Musiker oder ein Produzent alleine nichts ist. Es ist der "Faktor Mensch" und es sind Können, Philosophie, Idee und der Wille, die hinter dem stehen, was man tut. Das Zusammenwirken aller Faktoren und aller beteiligten Menschen(!) entscheidet über das Resultat. Der Film zieht einen unglaublich großen Kreis und der schließt sich mit dem Ende des Studios Sound City. Aber der Film endet nicht an dieser Stelle, denn was als Kreis beginnt, ist kein Kreis. Sound City ist eine Geschichte mit offenem Ende. Nach dem Aufbau der Neve aus Sound City in Dave Grohls Studio 606 geht die Geschichte weiter, aber nicht in ausgetretenen Pfaden. Vorsichtig, dezent und unverhohlen skeptisch verdeutlicht der Film, dass "Analog" einen Platz hat und eine Zeit hatte, "Digital" hat aber eben auch seinen Platz und seine Zeit hat: Die Entwicklung bleibt nicht stehen. Beides existiert nebeneinander her. Einige Zeit lang dominierte jetzt digital, aber ist digital wirklich besser? Ersetzt das Digitale, die Software, das Können? Die Antwort, die der Film gibt, lautet: Immer, egal wann, egal wo: Es kommt nicht darauf an, wer Du bist und was Du hast. Es kommt darauf an, was Du kannst, was Du willst und was Du daraus machst. Technisch sind Bild und Ton auf DVD und BluRay astrein. Toll ist, dass die Künstler nicht synchronisiert wurden - Untertitel gibt es in zig Sprachen. Der Soundtrack hat mich ja schon umgehauen, aber der Film war beinahe schon eine Offenbarung. Es hat viele Tage gedauert, bevor ich meine Gedanken über diesen Film zu Papier bringen konnte. Ja, ich musste mir das Album kaufen. Ja, ich habe mir diesen Film gekauft. Zwei Mal. Nein, ich bereue es nicht. Sound City ist ein Werk, das größer ist als die Künstler, die darin zu Wort kommen. Es erzählt mehr als das, was im Film gesagt wird. Es ist ein Stück Musikgeschichte und auch ein Lehrstück darüber, was Rockmusik, aber irgendwie auch das Leben ausmacht. Sound City (DVD / BR, FSK 6, 152 Minuten, PAL 16:9 - 1.78:1, Dolby DTS) ist erschienen am 22.03.2013 bei Sony Music Entertainment Webseite zum Film: http://soundcitymovie.com/
Army Of The Universe opfern die Hipster
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Army Of The Universe opfern die Hipster
Army Of The Universe vereint gegensätzliche Musikstile: Schmusepop und Rave, Gothic und Techno, Industrial und Ballade. Das Ergebnis ist erfrischend, weil es gekonnt mit ausgelatschten Hörgewohnheiten bricht. Für unvorbereitete Hörer und Fans des Seichten und Unkomplizierten ist sie vielleicht etwas anstrengend - und das ist gut so! Army Of The Universe überschreiten Grenzen und zeigen neue Wege. The Hipster Sacrifice erinnert mich an Awolnation, geht aber etwas dezenter, ruhiger zu Werke, nicht ganz so provokant, rebellisch. Army Of The Universe halten die einzelnen Elemente klarer erkennbar und lösen die Stilgrenzen nicht ganz so rücksichtslos auf. The Hipster Sacrifice von Army Of The Universe ist auf seine Art sehr eingängige Musik, beinahe schon Pop. Die Songs stellen sich quer und gehen einem nicht mehr aus dem Kopf. Der manchmal unkomplizierte, ja zuweilen beinahe schon schlichte Beat macht die Musik super tanzbar und bringt auch Tanzmuffel zum Mitwippen. Darum herum baut die Band komplexe und vielschichtige Harmonien auf, die sich hartnäckig gegen althergebrachtes Schubladendenken wehren. Die vielschichtigen, teils paradoxen Kompositionen und Stilmixe werden nicht jeden Hörer für sich gewinnen, aber wer sich darauf einlassen kann, hat eine Menge Freude an dieser Musik. The Hipster Sacrifice ist super gemacht, frech, auf seine Art neu und gleichzeitig doch oldschool und dadurch auch irgendwie "bekannt". Die Musik fordert. Manche wird sie auch überfordern, keine Frage. Aber auf Einzelschicksale kann eben keine Rücksicht genommen werden. Insofern ist der Name des Albums Programm: Wer "seine" Musikrichtung total toll und hip findet, eben ein "Hipster" ist, dem zeigen Army of The Universe, woher der Wind weht. Genau darum ist The Hipster Sacrifice eine Bereicherung für jede progressiv orientierte Playlist. Army Of The Universe - The Hipster Sacrifice erscheint am 31.05.2013 bei Planetworks /Metropolis Records (ZYX) Webseite der Band: http://www.armyoftheuniverse.com/
Collide - Kollision mit dem Unglaublichen
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Collide - Kollision mit dem Unglaublichen
Wann und wo ich das erste Mal etwas von Collide gehört habe, weiß ich gar nicht mehr so ganz genau. Sehr genau hingegen erinnere ich mich aber noch an meine Gänsehaut beim Hören. Collide, das sind kaRIN und Statik. Sie machen Synthpop einer ganz speziellen Güteklasse. Musik, die unter die Haut geht und gleichzeitig mit der ganzen Hand ins Gesicht drückt. Bent and Broken ist das elfte Album der Band. Es ist ein Mix-Album: Viele Remixe, aber auch ein paar neue Tracks. Zuerst wollte ich abwinken und dachte mir: "Zwei CDs mit Remixen? Dazwischen ein wenig neues Material, das mit viel gutem Willen vielleicht eine EP füllen könnte? Was soll daran schon besonders sein?" Dachte ich. Wir spulen vor: 25 Sekunden und ein Realitycheck später durchschlug mein Unterkiefer die Tischplatte - bei den Nachbarn unter mir. Alter, hab ich mich verjagt. Ich habe keine Ahnung, wer Cevin Key und Ken 'hiwatt' Marshall sind, aber was die beiden aus Mind Games gemacht haben, ist gewaltig. Dieser Song kann was und das richtig! Was kaRIN, Statik, Cevin und Ken mit diesem Track in der Gebäudestatik anrichten, konnte kein Architekt vorhersehen. Die Erfahrungen unzähliger zweifelhaft zusammengestümperter Synthiepopscheiben haben mich sehr vorsichtig werden lassen. Ich erwartete deshalb präventiv nach diesem Start nicht mehr viel von dem Album. Und dann kommt unmittelbar hinterher Orgy und haut mich ganz nonchalant aus den Latschen. Junge, Junge. Darauf war ich nicht gefasst. Orgy ist ein beinahe grotesker Stilmix-Frankenstein mit orientalischer Färbung, traumhafter Frauenstimme, eiskalten Fingernägeln und einer Bassline wie ein Bodyguard der Mafia: breitschultrig und brutal, aber mit hervorragenden Manieren. Dieser Track ist hart an der Grenze zur Genialität. Er ist all das, was viele pseudo-arabische, möchtegern-orientalische Songs der letzten Jahre eben nicht sind. Dieser Track kommt so lässig daher, so gekonnt, so unfassbar geil, dass es mir die Sprache verschlägt. Collide haben damit das Feld abgesteckt und legen die Messlatte verdammt hoch. Sie sind keine neuen Nine Inch Nails, aber sie haben ihre Lektionen von Trent und Attikus verdammt gut gelernt. Respekt! Die Stimme, mit der kaRIN die Songs zum Leben erweckt, erinnert mich an Kate Bush. Sie ist wie eine Katze: Verträumt, erotisch, eine einzige Verlockung, mal verspielt. Stets elegant, grazil und unberechenbar. Immer stilvoll, nie ordinär. Doch ohne Vorwarnung beißt sie zu und durchbohrt Dich. Und doch kannst Du die Finger nicht von ihr lassen. Das ist schlimmer als eine offene Packung Oreos. Großartig! Die Soundgebilde, die Statik um diese Stimme herum aufbaut, sind perfekt abgestimmt und hervorragend instrumentiert. Songs wie In the Frequency (Great Apes Mix), Tears Like Rain (Coudburst Mix) und Chaotic (Shades of Red Mix) sind eigentlich waffenscheinpflichtig. Die Vielfalt, die Eleganz, das Können und die Kreativtät, die Collide mit Bent and Broken an den Tag legen, sind unglaublich. Dass mag ja grundsätzlich "irgendwie Synthiepop" sein. Aber dieses Album deckt lässig und ohne Mühe die ganze Spanne zwischen Pop, Ethnopop, Elektrorock, Triphop und Synthiepop und Industrial ab. Dabei bedient sich Collide scham- und rücksichtslos aller Stilrichtungen links und rechts der Schneise, die die Band ins Dickicht des geschmacklosen Einheitsbreis hackt. Das macht das Duo so großartig entspannt und unverkrampft, dass mich selbst eine gnadenlos schmusige, ja, beinahe schnulzige Nummer wie "She Makes Me" sprachlos macht vor Begeisterung, weil sie so unfassbar gut gemacht ist. Kurzum: Meine Nachbarn hören gute, nein, überragende Musik. Collide - Bent and Broken ist am 06.11.2012 erschienen bei Noise Plus Music Webseite der Band: http://www.collide.net/
Bitte anschnallen! - Christiane Neudecker: Boxenstopp
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Bitte anschnallen! - Christiane Neudecker: Boxenstopp
Quelle: Randomhouse[/caption] Christiane Neudecker - Boxenstopp Wer eine Geschichte erzählt – egal ob das in einem Buch oder einem Film geschieht – der bewegt sich im Kräftefeld zweier gegensätzlicher Pole: Anspruch und Unterhaltung. Beide versuchen, den Erzähler in ihre Richtung zu zerren, und dieser muss höllisch aufpassen, in der Spur zu bleiben. Lässt er sich zu sehr vom Anspruch leiten, kann seine Geschichte belehrend und fade werden. Wenn andererseits nur die Unterhaltung zum Zug kommt, dann ist das Ergebnis gehaltlos und schnell wieder vergessen. In ihrem Roman „Boxenstopp“ hält die Schriftstellerin Christiane Neudecker souverän die Balance zwischen den Extremen. Wie die Rennfahrer, die in dem Buch eine Rolle spielen, steuert sie mit großer Geschwindigkeit aber besonnen durch ihr Werk. Erzählt wird die Geschichte einer erfolgreichen Fernsehjournalistin, auf die ein übermächtiger Konzernchef sein Auge geworfen hat. Während der Präsentation eines neuen Rennwagens in Portugal macht der Auto-Tycoon deutlich, dass er sie haben will. Als sie ihn zurückweist, rächt er sich. Er zerstört ihr Leben: ihr Auftrag wird gekündigt, ihre Karriere ist zuende, ihre Beziehung zu einem Musiker zerbricht und ihr Ruf in der deutschen Öffentlichkeit ist ruiniert. Das klingt nicht sehr originell, und ich befürchtete, die mörderische Dynamik des westlichen Wirtschaftssystem würde fernsehgerecht auf das Fehlverhalten eines Einzelnen reduziert werden. Ein böser Mann mit bösem Blick ist an allem Schuld. Zu meiner Erleichterung las ich auf Seite 63: Sie müssen das Gesamtbild erkennen. Sie müssen verstehen, dass das, was Ihnen vorliegt, nur ein Fragment sein kann. Bisher sehen Sie nur einen winzigen Teil, ein Zahnrad aus einem größeren Getriebe. (...) Aber Sie müssen die Strukturen untersuchen. Hier haben Sie es mit einem Gewebe zu tun. Ein Gewebe, dass, wenn man es zerreißt und nur einen einzigen Faden hervorzerrt, gar keinen Sinn ergibt. Denn jeder Faden ist hier verknüpft. Und dann liefert uns Christiane Neudecker einen Eindruck vom gesamten Gewebe: Die Kriecher von der Werbefirma „straub & friends“, die notgeilen Autohändler, die bei der Präsentation des Prototyps mal richtig die Sau rauslassen wollen. Schließlich der Autokonzern: die Zyniker der oberen Führungsriege, die Horden junger Frauen, die als Tänzerinnen oder Prostituierte engagiert sind... wer macht da schon einen großen Unterschied? Schließlich – als Konsequenz des Systems – der große Boss, der sich alles erlauben kann, weil keiner mehr übrig ist, der ihm Einhalt gebieten kann. Aber auch ein Cäsar kann gestürzt werden. Die junge Frau dreht den Spieß um und schlägt ihn mit seinen eigenen Waffen. Sobald die Fassade des unantastbaren Managers erst einmal Risse bekommen hat, kann alles sehr schnell gehen. Wer sich bei Nachrichtenmeldungen über Korruptionsskandale und Lustreisen mal gefragt hat, wie man sich das im Einzelnen vorzustellen hat, der sollte unbedingt dem rasanten Parcours von „Boxenstopp“ folgen. Christiane Neudecker: Boxenstopp. Luchterhand 2013. 256 Seiten, 18,99 EUR
Bloyatop – Why Waltz
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Bloyatop – Why Waltz
Bloyatop – Why Waltz (Grooveyard Records 2012) Ready for some rip roarin’ rock like it’s meant to be played? This power trio from Holland just cranks it out on their new Grooveyard Records release, “Why Waltz (When You Can Rock and Roll?)”. Led by bassist Mr. E! on vocals with awesome guitar riffs from Mark Ferguson and some great drum work by Paul Huge, Bloyatop is a damn fine band with its roots in the power rock of the seventies. “Demolition Crush” is just pure crankin roadhouse rock that puts recent releases by Aerosmith and Van Halen to shame. I can see them bringin’ down the house at the annual Sturgis Motorcycle Rally in South Dakota with this tune. “Lez Burn” starts with revving motorcycles and then roars ....bottoms up…metal down….radio up…the only way to listen to this tune! “Make it Work” is a mellow introspective blues rock tune with some really nice guitar riffs by Mark. “Poker Joker” is another damn fine crankin’ tune and “Rusty Rooster” is ready made as a song for the “Sons of Anarchy” television show. My personal favorite is “Tampico Honey” about suds, sun, and lovin’ in Mexico. And “Transistor Sister” has an infectious sexy rockin beat and some cool lyrics about Silicon Sally…you got the look…you got the feel…come on tell me now..what’s the deal? To say I loved this CD is an understatement. And the title track “Why Waltz…when you can rock and roll?” says it all about this awesome album. This band is ready to pick up the mantle of the ZZ top sound and roar down the road with it into the future ….and the boys from the “little band in Texas” probably couldn’t be happier. A huge high five and “HELL YEAH” to Bloyatop. I just can not believe that Bloyatop doesn’t have a major European record deal yet….are all the A&R folks asleep? And to all you American and European promoters out there…..give these guys a shot at some outdoor arenas this summer…..they will get the crowds cranked for the headliners….no doubt! Rolling Stones…are ya listen’??? Homepage BloYaTop Homepage Grooveyard Records

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The Rev Jimmie Bratcher – Secretly Famous
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The Rev Jimmie Bratcher – Secretly Famous
The Rev Jimmie Bratcher – Secretly Famous (Ain’t Skeert Tunes 2012) On his seventh album, the Reverend Jimmie Bratcher recommends that you “check your blues at the door”, kick back, relax and enjoy some blues jams…..and he delivers! Produced by the legendary Jim Gaines (i.e. Santa, Stevie Ray Vaughan), Jimmie rocks the blues on most of the album with 10 originals and two cover tunes, one of which I loved. Originally written by John D. Loudermilk back in 1960 and made a hit by the Nashville Teens and Edgar Winter (among others), the Rev’s version of “Tobacco Road” is a great rockin’ blues arrangement with fine guitar work and vocals. “Jupiter and Mars” is also great upbeat blues tune written by his son Jason with a driving beat and some hot lyrics… “blindin’ light, flash of chrome, hot blonde in a tricked out Ford…..she was dressed to the nines with a devil smile..she said hey baby can we talk for awhile….she said I will give you sun and stars, I’ll give you Jupiter and Mars, she seemed an angel….like mixin’ whiskey and gasoline…” Jason…keep feedin the old man lyrics bro! “Feels like Friday” is another upbeat tune with some great guitar riffs. “Nowhere to Go but Down” is a cool moderate blue rocks song. “I Can’t Shake that Thing” is a bit of funky rhythm and blues. “When I fall apart” and “Starting all over” are nice southern rock. But I thought his cover of the Association’s “Never my Love” and “It Just Feels Right”, while good tunes, just didn’t fit on this blues recording. I will give him a break though because the songs were obviously on his heart and mind and Jimmie’s heart is in a good place. Overall a great album and certainly well worth the listen! Jimmie played at the Sturgis Rally in South Dakota this past summer and his spring 2013 schedule will find him wandering all over the United States..the mid-west, the south, and even up to Montana. If he gets close, you should go see him…..help keep the BLUES Alive! Bio taken from the The Reverend Jimmie Bratcher homepage The Rev Jimmie Bratcher – Secretly Famous In the driveway was a 1958 Desoto, in the house a twelve-year-old boy and a dad with a plan. “Will trade 1958 Desoto for electric guitar and amplifier” was how the ad read in the Kansas City Star newspaper. One call came and I went home with a beautiful white Gibson SG Jr. and a Gibson amplifier. That’s where it all started and I still have both the guitar and amp to this day. Years have passed since that day but the sound of that gift my Dad gave me still rocks and you can hear it on my new album Secretly Famous. I played that guitar on a couple of the songs and let me say “it is a rock & roll monster.” Secretly Famous is my seventh album but I really feel like it’s my first. This album is different for me because I went further back into my roots than on any of my other albums. Back to a time before I became “The Rev.” Back to that blues-rock root that I learned playing that old guitar. Secretly Famous was recorded at Bessie Blue Studio in southern Tennessee. The studio is in a 100-year-old house and is owned by the legendary multi-Grammy award-winning producer Jim Gaines and his wife, blues artist Sandy Carroll. The vibe at Bessie Blue is like going to Grandma’s house, complete with mauve curtains, pink flowered wallpaper and a huge Magnolia tree in the front yard. As soon you walk in the door you feel like you belong; making it easy to relax and get to work. Then add in producer Jim Gaines and look out – Jim is the go-to guy if you want to record electric guitar. Known for his work with Stevie Ray Vaughan, Carlos Santana, Steve Miller and a huge list of others. Needless to say working with Jim was a dream come true. I wrote most of the songs on Secretly Famous and had the honor of co-writing the opening track, “Jupiter & Mars,” with my son Jason. The song was Jason’s idea and once I read the first line, “blinding light, flash of chrome, hot-head blonde in a tricked out Ford,” I was hooked. There’s also something about my playing on this song that is just wrong enough to be right and the groove drags you into the song and you can’t help but feel it. All the songs I wrote on Secretly Famous are for people like me. People that hurt, that love, that laugh, people that need to forget about their troubles and enjoy life. One writer wrote that I’m “a study in contradictions” and at first glance, yeah, I get that. That first glance seems to stop a lot of people, “you mean you’re like real a preacher”? “Yes I am!” Well then what’s a preacher doing playing the devil’s music? Here is what I know: there are only two kinds of music – good and bad – and hopefully I’m making some of the good kind. I love making music and people that know me know that I love to laugh, I love people and I deeply love my family. I guess one contradiction is that I’m a happy blues man! Well most of the time anyway. I consider playing guitar as a gift. Throughout my life I’ve received many guitars as gifts. In fact most of the guitars that I own were given to me as gifts. They are constant reminders to me that music is a gift to us all and it’s my honor to play it for you. Thank you for listening to my music and sharing part of my life. Oh yeah, the songs I played the SG on are the solos of “I Can’t Shake That Thing” & “Starting All Over Again”. Peace, Jimmie
Schiller - Sonne, mit Wolken.
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Schiller - Sonne, mit Wolken.
Das Musikprojekt Schiller hat in Deutschland eine enorme Fangemeinde: Christopher van Deylen füllt regelmäßig Stadien und Arenen. Das Abschlusskonzert seiner Tournee 2012 hielt er mit immensem Aufwand filmisch fest: 20 Kameras dokumentierten das Geschehen in der ausverkauften O2 World Halle in Berlin. Schillers Musik ist leichte, aber schöne Kost, unkompliziert und harmonisch. Sie ist nicht mehr Lounge- oder Chillout, aber es ist auch noch kein Rave oder Techno. Schillers elektronische Musik lenkt ab, lädt zum Träumen ein, zum "sich Wohlfühlen". Ich fühle mich bei den Songs an Alan Parsons, Jean Michel Jarre oder auch Vangelis und Tangerine Dream erinnert. Zum Konzert auf der DVD holte sich Schiller gleich drei Sängerinnen auf die Bühne: Kate Havnevik, Meredith Call und Anggun. Mit ihnen erzeugte die Band eine wunderschöne Stimmung, die der Konzertmitschnitt akustisch perfekt eingefangen hat. Die Lightshow muss gigantisch gewesen sein. Das Konzert war mit Sicherheit ein besonderes Erlebnis. Die DVD vermittelt eine Ahnung davon, wie es sich angefühlt haben muss, bei dem Konzert dabei gewesen zu sein. Aus rein technischer Sicht sind die Aufzeichnungen über jede Kritik erhaben, die Aufzeichnungs- und Produktionstechnik ist vom Feinsten. Allerdings macht gute Technik alleine noch lange keinen guten Film. Die filmische Aufbereitung lässt ein Feeling für die Musik und die Musiker vermissen. Die Schnitte, Kamerafahrten und Bildauswahl machen es mir über weite Strecken unmöglich, mich in die Show einzuleben, dabei zu sein. Es entsteht der Eindruck als hätte man den Kameraleuten gesagt: "Filmt einfach irgendwas!" Wilde, unkontrollierte Schwenks, planlose Spielereien mit dem Fokus, sinnlos taumelnde Kamerafahrten zerstören das visuelle Erlebnis: Zur Hälfte der DVD musste ich Kopfschmerztabletten an alle Anwesenden verteilen. Da fällt es kaum noch ins Gewicht, dass das Tracklisting auf dem Cover der vorliegenden Promo-DVD nicht mit dem im Menü der DVD übereinstimmt. Schade. Akustisch ist die DVD ein atemberaubendes Erlebnis. Ein sauberes Live-Feeling kommt rüber, die Songs haben live eine schönere, lebendigere Dynamik als auf den Studioalben. Mein Highlight (und "all time favorite" von Schiller insgesamt) ist "Glockenspiel". Alleine deshalb ist die DVD empfehlenswert. Wem es allerdings um die Bilder geht, der sei ausdrücklich gewarnt. Schiller - Sonne Live DVD (FSK 0, PAL) ist am 22.03.2013 erschienen bei Universal Webseite von Schiller: http://musik.schillerserver.de/
Team Ghost - Träumen mit Gitarre und Synthie
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Team Ghost - Träumen mit Gitarre und Synthie
So sphärisch, tragend das Album Rituals von Team Ghost beginnt, so weit daneben lag ich mit meiner Vermutung, dies wäre bloß wieder irgend so ein Synthie-Album. Rituals ist eine Fusion aus elektronischer Musik und E-Gitarren. Die Synthies sind oldschool und sphärisch, die Gitarren kernig. Doch bleiben die Gitarren stets Untermalung, Beiwerk, Teamplayer und drängen sich nicht in den Vordergrund. Das ergibt eine interessante, weil ungewohnte Mischung. Besonders Dead Film Star finde ich super, weil es die Elemente von Team Ghost bündelt: tragender Gesang, kräftige Gitarren, sphärische Synthies. Der Song hat Dauerbrennerqualitäten. Aber das ist nicht das einzige Highlight des Albums. Das ganze Album ist verspielt, träumerisch, aber nicht albern oder kindisch. Die Musik ist deutlich geprägt von Tangerine Dream, Brian Eno und anderen Vorbildern dieser Richtung. Aber die Gitarren bereichern die Musik noch und machen Rituals zu etwas Besonderem. Für mich ist Rituals von Team Ghost ein Album, das mich an neblige Tage erinnert, an denen die Konturen verschwimmen, die Welt sich um mich herum in ein mystisches Land der Träume verwandelt. Dabei verbreitet es keine depressive Stimmung. Im Gegenteil, das Album motiviert zum Nachdenken, macht mich neugierig auf die Welt um mich herum. Mit der Musik von Team Ghost im Ohr habe ich Lust, mich selbst und meine Welt um mich herum neu zu entdecken. Das ist für mich ein wundervolles Geschenk. Team Ghost - Rituals erschien am 15.03.2013 bei Indigo. Webseite der Band: teamghostmusic.com
Die Leipziger Buchmesse 2013 - Die Eindrücke
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Die Leipziger Buchmesse 2013 - Die Eindrücke
Leider hat mich ein grippaler Infekt mit voller Wucht erwischt, so dass die Dinge gerade gaaaaanz laaaaaangsam geschehen. Die Leipziger Buchmesse 2013 war unser erstes ernsthaftes Flirten mit der Welt der Bücher. Die Buchrezensionen mit Leif im Radio, bzw. als Online-Blog, sind zu einem festen Bestandteil von 60Minuten geworden. Nur sind wir, was die Vielzahl der Erscheinungen und die Abläufe in der Welt der Literatur angeht, noch Frischlinge. Da bot die Messe einen wunderbaren Einblick. Von kleinen, vereinsamten Ständen bis hin zu einem umlagerten Sebastian Fitzek, der wie ein Rockstar gefeiert wird, war alles vertreten. Es machte Spaß, über die Messe zu laufen, die vielen bunten Eindrücke aufzunehmen, Gespräche zu führen und vor allem die unbekannten Bücher wirklich anzufassen und einfach zu stöbern, weit weg vom Internet. An dieser Stelle gleich ein großes Lob an die Organisatoren der Messe: von unserem Standpunkt aus, dem zweier akkreditierter Journalisten und Bücherwurmer, war alles sehr gut organisiert. Es gibt nichts zu meckern. Beginnend bei der Höflichkeit über das Parken bis hin zu den Informationen und den Arbeitsplätzen war es vorbildlich. Danke, Leipziger Buchmesse! Mehr möchte ich gar nicht schreiben, statt dessen kurze Eindrücke als Video oder Foto. Ein Interview entstand, weil mir ein Hörspiel - Raumpatroullie Orion - ins Auge und in die Hände fiel. Das andere, als ich beim Schlendern zufällig mitbekam, das Peter V. Brett anwesend war. Die Bilder stammen von Hella Kiss! [imagebrowser id=28]
Depeche Mode - Delta Machine
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Depeche Mode - Delta Machine
Delta Machine ist da, und ebenso plötzlich wie das neue Album von Depeche Mode bei mir auf dem Tisch liegt, stehe ich unter ungeahntem Erfolgsdruck. Nicht etwa, weil Dave, Martin und Andrew mich für den Erfolg ihres Albums persönlich verantwortlich machen werden. Vielmehr mache ich mir selbst diesen Druck. Es geht um niemand Geringeres als Depeche Mode. Ich analysiere und vergleiche und interpretiere wie wild. Meine Gedanken rasen. Ich suche nach Worten, ringe um Formulierungen. Fragen rasen durch meinen Kopf: Was ist Delta Machine? Ist es besser? Ist es der große Wurf? In welche Richtung geht dieser Wurf? Auf was nehmen die Künstler hier Bezug? Plötzlich dämmert es mir. Ich gehe vollkommen falsch an das Album heran. Ich breche den Versuch ab, etwas zu analysieren, das ich gar nicht analysieren kann. Ich lasse das Album liegen, besuche Freunde. Doch auch hier verfolgt mich das Album. Delta Machine lässt mich nicht los. Das Album ist sofort vertraut und doch vollkommen anders. Es ist das Album einer Band, die nicht nur beinahe alle Spielweisen elektronischer Musik vorwärts und rückwärts kennt, sondern große Teile des Genres für die Mehrheit überhaupt erst zugänglich gemacht hat. Aus den respektlosen Sample- und Loopspezialisten der frühen 1980er Jahre wurden "die großen Drei", eben "DM". Depeche Mode sind gereift, haben viele Jahre Erfahrung und sie sind Depeche Mode. Sie müssen nicht mehr beweisen, dass sie mit einem Synthesizer umgehen können. Wer hat schon die Autorität dazu, dieser Band zu sagen, wie sie zu spielen hat? Die Band braucht nicht mehr zu beweisen, dass sie wie Phönix aus der Asche auferstehen kann. Auch das haben sie bereits hinter sich. Das Besondere an Delta Machine ist für mich, dass das Album Andeutungen macht. Depeche Mode zitiert und macht diese Zitate zu etwas Neuem, etwas Eigenem. Es geht nicht darum, was zitiert wird, denn das Album ist weder Remake noch Cover. Alle Songs sind tolle neue Eigenkompositionen. Doch auch für eine Band wie Depeche Mode, die Inspiration für ungezählte andere Künstler ist, gibt es Musik, die sie inspiriert, die Ideen stiftet. Diese Inspirationen zitieren die Musiker. Question Of Lust, Little 15, Personal Jesus, aber auch Der Mussolini sind nur die vier prominentesten Zitate, die mir gerade einfallen. Es geht darum, was die Band daraus macht. Darin besteht die wahre Leistung der Band, und das macht Delta Machine zu einem herausragenden Album. Der griechische Buchstabe Delta symbolisiert in der Mathematik oft Wechsel oder Veränderungen. Für dieses Album ist das eine sehr treffende Beschreibung. Das Album ist vielseitig, vielschichtig, ständig im Wandel. Die Songs sind alle unverkennbar Depeche Mode, dynamisch, organisch. Trotz der musikalischen Vielfalt ist das Album aus einem Guss. Auf Delta Machine spielen eindeutig nicht die Depeche Mode von früher. Gerade das zeigen mir die Anspielungen auf die alten Songs. Heute machen Depeche Mode diese Musik eben anders, moderner. Darum meine Warnung: Wer von Depeche Mode deren Musik aus den 80ern, 90ern erwartet, sollte zu den alten Scheiben greifen. Delta Machine wird diese Erwartungen nicht erfüllen. Wer jedoch offen ist für eine Band, die mit der Zeit geht, ohne dem Zeitgeist hinterher zu hecheln, wer eine Band hören will, die sie selbst ist, die sich nicht verbiegt, die rockt, weil sie rocken will, dem wird Delta Machine sehr gefallen. Delta Machine erscheint am 22.03.2013 bei Sony Music Webseite der Band: http://www.depechemode.com/
Verquerer und verquerer! Meinhards Beyond Wonderland
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Verquerer und verquerer! Meinhards Beyond Wonderland
[caption id="attachment_4430" align="alignleft" width="300"] Cover der CD "Beyond Wonderland" von Meinhard[/caption] Eigentlich fange ich meine Rezensionen ja damit an, dass ich einen Überblick gebe, was für Musik euch mit der vorgestellten Scheibe erwartet. Aber hier – ein Debüt-Album (obwohl Meinhard es schon auf einige Sampler geschafft hat, wie z.B. die „Machineries Of Joy“ 5) – könnte ich jetzt nicht sagen: Der spielt normalerweise genau das. Ich stehe also vor einem Problem. Aber nicht vor dem einzigen... Es sind ja schon viele CDs durch meinen Player geflutscht, aber „Beyond Wonderland“ von Meinhard verwirrt mich beim ersten Hören. Auch beim zweiten. Fangen wir mal ganz langsam an: Wenn ihr ruhige Musik für den Hintergrund, als Fahrstuhlbeschallung sucht, zum ausspannen – geht weiter. Nein. Lauft, so schnell ihr könnt. „Beyond Wonderland“ ist abwechslungsreich, sprunghaft, sehr schön und sauber gemacht, aber ganz eindeutig keine leichte Kost. Thematisch orientiert sich Meinhard an Lewis Carrolls „Alices Abenteuer im Wunderland“, greift einzelne Szenen aus dem Klassiker heraus und übersetzt sie in Musik. Und das heißt bei Meinhard nicht nur, dass die Liedtexte irgendwie Bezug nehmen oder vielleicht auch Carroll zitieren. Nehmt zum Beispiel das Lied „Falling“: ein 4:09 Minuten langer Sturz, mit beständigen Wechseln in Geschwindigkeiten, Instrumentenläufen, bei dem man geradezu den Kaninchentunnel mit hinunterfällt unter dem eindringlichen, wiederkehrenden „Down, down, down“, bis alles in einer Klangexplosion von Geräuschen endet - „da mit einem Male, plump! plump! kam sie auf einen Haufen trocknes Laub und Reisig zu liegen, – und der Fall war aus.“ (L. Carroll) Schöner kann man keinen Kaninchenbau hinabstürzen. Meinhard spielt nach eigener Angabe ein „kaleidoskopisches Potpourri“. Innerhalb eines Liedes wechselt mitunter nicht nur das Tempo, sondern auch die Sprache von Deutsch nach Englisch. Als Beispiel sei mein persönliches Lieblingslied der Scheibe angeführt, „The Trial“, in dem Meinhard beständig zwischen Deutsch und Englisch springt, was die Dynamik und die Kraft des Liedes noch unterstützt und den Hörer mitreißt. Ja, diese Interpretation von „Alice im Wunderland“ ist fordernd, und sie drängt sich immer wieder in den Vordergrund, wenn man versucht, sie nur so nebenbei zu hören. Die Musik ist komplex, wechselnd, schnell, eindringlich. Und sie verdient diese Aufmerksamkeit auch, die sie einfordert. Ein durch die Bank weg total gelungenes Album! Trackliste:
1. Beyond Wonderland
2. Mr.White Rabbit
3. Falling!
4. Nimmerwo
5. Sea of Tears
6. Caucus Race
7. ontopofthemushroom
8. Pig&Pepper
9. CatNip
10. MaD aS A hAtTer
11. (Mock)Turtle
12. The Trial
Meinhard – Beyond Wonderland erschien am 15.03.2013 bei Out Of Line Music / Rough Trade. Biographie von Meinhard: http://www.outofline.de/meinhard/ Webseite des Künstlers: http://www.meinhardmusic.com/
Sound City: Real to Reel - Legendär
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Sound City: Real to Reel - Legendär
Kaum ein Album hat mich damals so sehr beeinflusst, wie das legendäre "Nevermind". Die Musik von Nirvana hat bei mir etwas in Gang gesetzt, das bis heute wirkt. Jetzt ist Curt schon lange tot und die Band aufgelöst, die Welt hat sich weiter gedreht und die verbleibenden Musiker widmen sich eigenen Projekten. Damit sind wir bei Dave Grohl, ehemals Drummer bei Nirvana. Seine Bands Foo Fighters und Them Crooked Vultures haben einen enormen Stellenwert für mich. Es gibt viele bunt gemischte Alben, Compilations, die zusammengestellt werden, weil irgendein Marketingmensch eine "tolle Idee" hat. Es gibt Tribute-Alben, die produziert werden, weil irgendwelche Musiker mehr oder weniger berechtigt der Meinung sind, zu einem Thema etwas musikalisch beisteuern zu können, oder schlimmer: beisteuern zu müssen. Und dann gibt es zusammengestellte Alben, die entstehen, weil ein Musiker ruft und "die Großen" folgen. In diese Kategorie gehört "Sound City: Real to Reel". Mr. Grohl drehte einen Film: Sound City. Ein Film über ein Musikstudio, in dem viele große Alben entstanden, unter anderem eben auch "Nevermind" - und so schließt sich der Kreis: Mr. Grohl bringt seine Musik dahin zurück, wo sie vor Jahren ihren Ausgang nahm. Der Soundtrack "Sound City - Real to Reel" hat sich in meiner Sammlung einen Ehrenplatz erobert. Ein solches Werk erlebt man realistisch gesehen vielleicht ein, höchstens zwei Mal pro Jahrzehnt. Dieses Album ist Rock. Es ist ein Meilenstein, ein Leuchtfeuer, an dem sich viele orientieren werden und noch viel mehr orientieren sollten. Woher meine fast grenzenlose Begeisterung kommt? Dave Grohl, Krist Novoselic und Pat Smear... Fehlt noch der Sänger, um Nirvana zu komplettieren. Und wen lässt die Band in die Fußstapfen von Curt Cobain treten? Sir James Paul McCartney himself füllt für genau einen Song die schmerzende Lücke. Auch die übrigen Künstler, die Mr. Grohl auf diesem Album zusammenbringt, sind nicht "irgendwelche Musiker". Das Tracklisting steht für sich: 1. "Heaven and All" - Black Rebel Motorcycle Club (Robert Levon Been, Peter Hayes) mit Dave Grohl 2. "Time Slowing Down" - Chris Goss (Queens of the Stone Age), Tim Commerford und Brad Wilk (beide Rage Against the Machine) mit Dave Grohl 3. "You Can’t Fix This" - Stevie Nicks (Fleetwood Mac), Dave Grohl, Rami Jaffee (The Wallflowers), Taylor Hawkins (Foo Fighters) 4. "The Man That Never Was" - Rick Springfield mit den Foo Fighters (Dave Grohl, Taylor Hawkins, Nate Mendel , Pat Smear) 5. "Your Wife Is Calling" - Lee Ving (Fear), Dave Grohl, Taylor Hawkins, Pat Smear, Alain Johannes (Queens of the Stone Age) 6. "From Can to Can’t" - Corey Taylor (Slipknot, Stone Sour), Dave Grohl, Rick Nielsen (Cheap Trick), Scott Reeder (Kyuss) 7. "Centipede" - Queens of the Stone Age (Joshua Homme, Chris Goss, Alain Johannes) mit Dave Grohl 8. "A Trick With No Sleeve" - Queens of the Stone Age (Joshua Homme, Alain Johannes) mit Dave Grohl 9. "Cut Me Some Slack" - Paul McCartney mit Nirvana (Dave Grohl, Krist Novoselic und Pat Smear) 10. "Once Upon a Time ... The End" - Dave Grohl, Rami Jaffee, Jessy Greene und Jim Keltner 11. "Mantra" - Dave Grohl, Joshua Homme, Trent Reznor (Nine Inch Nails) Kurz gesagt: Wenn Rock dein Ding ist und du dir in diesem Jahr nur ein einziges Album kaufen willst: Hol dir dieses. Egal was sonst noch kommt, dieses Album gehört auf jeden Fall in jede halbwegs ernstzunehmende Sammlung. Oder mit Saschas Worten: "Fuck, ist das gut." Dem ist nichts hinzuzufügen. Sound City: Real to Reel ist erschienen am 08.03.2013 bei Smi Col (Sony Music) Webseite ~~des Künstlers~~ des Films: http://soundcitymovie.com/
Mesh - Automation Baby
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Mesh - Automation Baby
Die Synthie-Pop-Formation Mesh aus Bristol gehört zu den Bands, die ich bis vor kurzem nicht kannte. Erst durch deren neues Album Automation Baby wurde ich auf die Band aufmerksam. Mesh steht zum Erbe der 80er Jahre. Einflüsse (zum Beispiel) der Thompson Twins und Depeche Mode sind für mich überdeutlich - und das gefällt mir sehr! Das Album ist schön gemachter Synthie-Pop: Teils tragend, teils treibend, markanter Synthie-Bass, mal prägnanter, mal dezenter Beat, aber immer stimmungsvoll. Automation Baby verbreitet eine durchweg positive Stimmung. Die Musik auf Automation Baby rundum schön. Nicht dieses kitschige "Schön", das uns beim "Förster vom Silberwald" entgegenschreit. Das Album ist schön, weil es gefällt, weil es die Seele streichelt. Die Songs sprechen über Themen, die wir kennen: Liebe und Leid, Freundschaft und Verrat. Es fällt leicht, sowohl zur Musik als auch zu den Texten sofort eine persönliche Beziehung aufzubauen und nachzuempfinden, worüber die Band singt. Die Musik von Mesh ist zwar trotz allem noch immer Pop, aber Pop mit einer persönlichen Note. Mir gefällt, dass Mesh zwar nah bei ihrem Erbe aus der Popmusik der 80er Jahre bleibt. Aber Mesh ist nicht vernagelt oder blind. Die Band übernimmt moderne Elemente aus Industrial und Dubstep, aber so vorsichtig und dezent, dass ich mich frage, warum das nicht schon immer so gemacht wurde. Das Album "Automation Baby" ist in der ersten Hälfte eher "klassisch" gemacht und stilistisch eher oldschool, während die zweite Hälfte deutlich mehr moderne Einflüsse präsentiert. Eine schöne Kombination, die das Album abwechslungsreich gestaltet. Mesh zeigen, dass der Beat der 80er weder staubig noch ausgelutscht sein muss. Automation Baby ist schon deshalb eine schöne Bereicherung für jeden, der Sythie-Pop mag. Automation Baby von Mesh erschien am 15.03.2013 bei Dependent (Alive) Webseite der Band: http://www.mesh.co.uk/
Johanna Adorján: Meine 500 besten Freunde
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Johanna Adorján: Meine 500 besten Freunde
Offenbar gibt es bei den Verlagen seit Neuestem einen Trend zum schönen Buch. „Meine 500 besten Freunde“ von Johanna Adorján, erschienen im Luchterhand-Verlag, ist in tintenblaues Leinen gebunden, besitzt ein tintenblaues Lesebändchen, ist in tintenblauer Schrift gesetzt – selbst der Schnitt ist tintenblau. Eine Verpackung wie bei einem Geschenk – und auch inhaltlich hat der Band etwas von einer Pralinenschachtel. Die 1971 in Stockholm geborene Autorin hat in München Theater- und Opernregie studiert. Seit über einer Dekade ist sie Kulturjournalistin und berichtet für die „Frankfurter Allgemeine Sonntagszeitung“ aus Berlin. Als Autorin debütierte sie 2009 mit dem Roman „Eine exklusive Liebe“, in dem sie über den Selbstmord ihrer Großeltern schreibt, die sich nach einen halben Jahrhundert glücklicher Ehe 1991 gemeinsam das Leben nahmen. Die „500 besten Freunde“ sind dagegen leichtere Kost. In 13 Kurzgeschichten lässt Johanna Adorján eine Reihe typischer Gestalten der kreativen Szene Berlins Revue passieren. Wie bei einer Pralinenschachtel weiß man nie, was man als nächstes bekommt: eine sehr leckere, eine mittelprächtige oder eine, die gar nicht schmeckt. In den Episoden um zweitklassige Filmschauspielerinnen, Möchtegern-Regisseuren, ehrgeizigen Praktikantinnen und frustrierten Kulturredakteuren findet sich fast jedes literarische Niveau: Die Eingangsgeschichte „Ein Tisch in der Mitte“ finde ich langweilig, die Pointe enttäuschend. Der Bericht eines Drogenabhängigen, der seiner Therapeutin „Frau Weber“ – und dem Leser – weismachen will, er habe seine Sucht im Griff, ist dagegen das Glanzstück der Sammlung: eine Geschichte, die so still und ruhig ist, dass es in ihr schreit und in der die Autorin beweist, was sie wirklich auf dem Kasten hat. Die übrigen Erzählungen bewegen sich in der Qualität irgendwo dazwischen, wobei es ein schöner Einfall ist, manche Hauptfiguren als Nebengestalten in anderen Stücken wieder auftreten zu lassen. Ich persönlich finde es jedes Mal vergnüglich, die gleichen Hauptstadt-Klischees immer wieder serviert zu bekommen. Aber wer ist der Adressat dieser Kurzgeschichten? Die Buchvorstellung findet im Grünen Salon der Volksbühne am Rosa-Luxemburg-Platz statt. Mehr Berlin-Mitte geht nicht! Beim Lesen ihrer Texte wechselt sich die Autorin mit der Schauspielerin Heike Makatsch ab, mit der sie laut Boulevard eng befreundet ist. Und das Publikum? Genau die Personen, von denen „Meine 500 besten Freunde“ handelt. (Den Rezensenten, der sich als frustrierter Kulturjournalist klassifizieren ließe, eingeschlossen.) Und wenn man über die Typen in den Episoden lacht, dann immer über den Nebenmann oder die Nebenfrau, niemals über sich selbst. Wie funktioniert das nur, dass jeder denkt, alle gehören dazu, nur man selbst nicht? In einem Interview hat Johanna Adorján einmal geäußert, sie fühle sich irgendwie „nicht dazugehörig“. Das lasse ich mir irgendwann von ihr erklären. Johanna Adorján: Meine 500 besten Freunde. Luchterhand 2013, 256 Seiten, 18,99 Euro.
Rover - Brainpop aus Frankreich
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Rover - Brainpop aus Frankreich
Über das Album Rover von Rover musste ich lange nachdenken. Meine ersten Versuche, über das Debütalbum der Band zu schreiben, scheiterten gründlich. Zu sehr bricht das Werk aus dem üblichen Rahmen aus. Das Besondere an Rover erklärt sich vielleicht ein wenig durch das Beantworten der Frage "Wer ist Rover?" Rover ist der in Frankreich geborene, mit seinen Eltern nach Amerika ausgewanderte, wegen Visaproblemen aus dem Libanon ausgewiesene, nach Frankreich zurückgekehrte Ex-Punkrocker Timothée Régnier. Zusammen mit Samy Osta und Guillaume Jaoul nahm er das Album "Rover" auf. Diese Antwort sorgt für hochgezogene Augenbrauen: Französischer Punkrocker macht englischsprachigen Pop? Die Kombination ist ungewöhnlich und genau das ist das Album Rover auch: ungewöhnlich. Es ist Pop, soweit ist es leicht einzuordnen. Aber es ist nicht der Pop, den wir aus dem Radio kennen. Rover möchte ich "Brain-Pop" nennen. Die Musik ist anspruchsvoll und intelligent, für einige bestimmt zu anstrengend. Die Arrangements mit Orgel, Klavier, Gitarre und anderen Instrumenten sind ebenfalls nicht alltäglich. Das Album fällt auch technisch durch seine komplett analoge Produktion auf. Das alles zusammen macht das Album Rover zu einer anderen Art von Pop. Dennoch: Die Songs sind super eingängig. Stilistisch war Rover für mich eine Überraschung, denn seine Musik vereint Elemente aus Chanson, Rock und Oper und bettet diese in gefällige Melodien ein. Das Bemerkenswerte an diesem Album ist seine Unauffälligkeit, seine Unaufdringlichkeit. Die Musik ist einfach da und trotz ihrer Komplexität passt sie irgendwie immer: Sei es als angenehmer Hintergrund beim geselligen Beisammensein, sei es als Untermalung des romantischen Abends, oder zur Bewältigung der eigenen Sinnkrisen, oder eben "einfach so". Easy Listening ist Rover bestimmt nicht für jeden und "unauffällig" ist im diesem Fall keine Herabwürdigung, sondern Lob und Qualitätsmerkmal. Die Musik schafft einen angenehmen Rahmen, tritt mal präsent in den Vordergrund, wirkt mal dezent aus dem Hintergrund. Das gefällt mir ausgesprochen gut. Trotzdem ist Rover nicht die Art Pop, die ich als "Power-Schnulze" bezeichne. Dies ist kein Album für Fans "der besten Hits der 80er, 90er und von heute" und es ist auch ganz bestimmt keine Disko-Mucke. Rover verlangt dem Hörer einiges ab: Immer wieder fällt mir auf, wie komplex und kompliziert die Songs sind - obwohl sie doch so einfach klingen. Rover wird deshalb seine Fans wohl eher bei Hörern finden, die intelligente, leichtgängige Musik suchen. Rover von Rover ist ein bemerkenswertes Album von einem bemerkenswerten Künstler. Es wird sicher nicht jeden ansprechen, aber das liegt hier eindeutig am Geschmack des Einzelnen und nicht an der Qualität der Musik. Rover von Rover erscheint am 22.03.2013 bei Wagram Music. Webseite von Rover (bei Facebook): https://www.facebook.com/musicrover
Erica Fischer: Königskinder
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Erica Fischer: Königskinder
Die Internierung sogenannter „feindlicher Ausländer“ durch die Aliierten während des Zweiten Weltkriegs ist ein unrühmliches Kapitel der Zeitgeschichte. Dass die US-Regierung nach dem Angriff auf Pearl Harbour die eigenen Bürger japanischer Herkunft einsperrte ist weitgehend bekannt. Ein bis dahin verborgenes Thema, die Inhaftierung, ja Verschleppung tausender Deutscher und Österreicher, die vor den Nazis nach Großbritannien geflüchtet waren, ist der Stoff, aus dem der Roman Erica Fischers „Königskinder“ gemacht ist. Das Besondere: Die Autorin erzählt vom Schicksal ihrer Eltern, die in Österreich im antifaschistischen Widerstand aktiv waren, um dann in der britischen Emigration getrennt wurden. Erich wurde mit etwa 2.000 Leidensgenossen ans Ende der Welt – in den Outback Australiens – deportiert, während Irka sich im englischen Exil mit Dienstbotenjobs durchschlug und mit ihren Gastgebern die Bombardierung Londons durch die Deutschen miterlebte. Nun ist Erica Fischers dennoch ein sehr positives Buch. Dies liegt natürlich zum einen daran, dass die „Königskinder“ am Ende doch noch glücklich vereint sind. Zum anderen aber denkt der Vater später ohne Verbitterung auf die Geschehnisse von damals zurück – ja er ist für diese Erfahrung sogar dankbar. Wie die Autorin zu berichten weiß bezeichnet er die Gefangenschaft als eine der besten Zeiten seines Lebens? Wie ist das möglich? Zurück zum Anfang. Im Sommer 1940 wird Erich von zwei Polizisten abgeholt und in ein britisches Gefangenenlager gebracht. Zurück bleibt Irka, die Jüdin, die nun nach dem Großteil ihrer Familie nun auch ihren Ehemann zu verlieren scheint. Ein paar Wochen später sind die Internierten in ein Frachtschiff gezwängt, einen überladenen Seelenverkäufer, regiert von sadistischen Offizieren, die sich am Hab und Gut der Emigranten bedienen und diese als „Swines“ beschimpfen. Niemand sagt den über 2.000 Passagieren, wohin die Reise geht. Die sanitären Umstände sind katastrophal, das Schiff kann jederzeit von feindlichen U-Booten versenkt werden. Wie durch ein Wunder sterben bei dieser Reise um die halbe Welt „nur“ zwei Menschen. Die australische Regierung hat Großbritannien zugesagt, die „feindlichen Ausländer“ vorübergehend aufzunehmen – in einem Camp in der entlegensten Wüste des Kontinents. Und hier wendet sich das Blatt der Internierten. Die australischen Bewacher, gutmütige Soldaten mit den berühmten breitkrempigen Hüten, lassen die Gefangenen ihr Leben selbst gestalten. Der Lagerkommandant tut alles in seiner Macht stehende, um deren Los so angenehm wie möglich zu machen. Und damit blüht in dieser Ansammlung grundverschiedener Menschen bald ein reges kulturelles Leben. Innerhalb der Palisaden freuen sich Historiker darüber, Geschichtsunterricht zu geben, Ingenieure bilden junge Burschen aus, darstellende Künstler finden sich zusammen, um Theater- und Musikaufführungen zu realisieren – ja, einem Bäcker gelingt es sogar, so etwas wie eine Sachertorte herzustellen. Am erstaunlichsten aber ist die Entwicklung einer kleinen Gesellschaft, in der man sich gegenseitig hilft und unterstützt und in der sogar soziale Konflikte ausgetragen werden. Denn den Gefangenen geht es zwar verhältnismäßig gut, aber jenen, die sich von Verwandten Geld nach Australien schicken lassen können, geht es um vieles besser. Um die Härten sozialer Ungleichheit abzufedern, beschließt die Lagergemeinschaft eine Reichensteuer! Die Aspekt des Buches ist meiner Ansicht nach der interessanteste, aus der Geschichte, die ja im Grunde nur eine Randbegebenheit des Krieges ist, wird damit ein soziales Experiment, der Beweis, wie vorbildlich menschliches Zusammenleben unter widrigen Umständen sein kann. Erica Fischer erzählt diese anderthalb Jahre der Trennung bis zur glücklichen Wiedervereinigung teils als sachlichen Bericht, teils in einer Abfolge von Spielszenen. Und darin liegt leider auch der Stolperstein dieses als „Roman“ kategorisierten Buches. Denn alles, was diese Geschichte zu bieten hat, wird durch die literarischen Szenen eher entwertet statt aufgewertet. Wenn das Ehepaar im ersten Kapitel über seine Situation in der Emigration spricht, dann wirkt das stellenweise als würden die Protagonisten ihre Sätze vom Teleprompter ablesen. Auch die späteren Spielszenen enthalten nichts, was durch einen sachlichen Bericht nicht spannender und fundierter hätte erzählt werden können. Anstatt fiktiven Gespräche der emigrierten Frauen untereinander zu lauschen hätte ich viel lieber von der Autorin erfahren, wie sie die Geschichte ihrer Eltern recherchierte, was diese ihr erzählten und wo sie auf historische Quellen angewiesen war. Unterm Strich bleibt der Band „Königskinder“ aber ein wertvoller Beitrag zur Erinnerung an die unzähligen Schicksale und Ungerechtigkeiten des Zweiten Weltkriegs und die spannende Geschichte einer fast utopischen Gemeinschaft. Erica Fischer "Königskinder". Roman. Rowohlt Berlin 2012, 304 Seiten, 19,95 €
Halestorm - Hardrockers feel cosy
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Halestorm - Hardrockers feel cosy
THE BLUES BAND
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THE BLUES BAND
Kesselhaus in der Kulturbrauerei, Knaackstr. 97, 10435 Berlin Eintritt: VVK: 23 Euro (zzgl. VVK-Gebühren) // AK: 28 Euro Beginn: 20 Uhr Mit dem aktuellen Album „Few Short Lines“ (Sony Music) im Gepäck ist THE BLUES BAND wieder unterwegs und prägt die britische Bluesszene und Musikgeschichte seit fast 30 Jahren. PAUL JONES (Ex-Manfred Mann), DAVE KELLY (Ex- Mitglied von Howlin‘ Wolf ubd John Lee Hooker), TOM McGUINNESS (Ex- Manfred Mann), ROB TOWNSEND (Ex- Medicine Head und Family) und GARY FLETCHER sind die Musiker, die THE BLUES BAND bilden und in der langen Zusammenarbeit zu einer unvergleichlichen Einheit zusammen schweißen. Mit der Gründung im Jahr 1979 haben die fünf Musiker ihren eigenen britischen Rhythm & Blues entwickelt, der den Enthusiasmus widerspiegelt, den die Band in ihre Musik legt. Mit der Bob Dylan Coverversion „Maggie´s Farm“ gelang ihnen Mitte der 80er ein Charteintritt. Packende Gitarren in Wechsel zwischen Tom McGuinness und Dave Kelly, wechselnde Vokalparts zwischen Paul Jones und Dave Kelly, eine Bluesharp-Performance der Spitzenklasse von Paul Jones – das sind die Pfeiler der Band. 2012 endlich das neue Studio Album „Few Short Lines“. Ein packendes Bluesalbum der Spitzenklasse feat. Maggie Bell, South Side Jonny, Al Kooper. Speiches MONOKEL, die als Support ebenfalls schweißtreibende Bluesriffs versprechen und an diesem Abend nicht nur die BLUES BAND einleiten, liefern einen Vorgeschmack auf das am 03. April stattfindende Konzert im KESSELHAUS.

THE B LUES BAND In diesem Jahr prägt "THE BLUES BAND" die britische Bluesszene und Musikgeschichte seit fast 30 Jahren. PAUL JONES, DAVE KELLY, TOM McGUINNESS, ROB TOWNSEND und GARY FLETCHER sind die Musiker, die THE BLUES BAND bilden und in der langen Zusammenarbeit zu einer unvergleichlichen Einheit zusammen schweißen. PAUL JONES gilt als der Initiator der BLUES BAND. Der Bluessänger und Harmonicaspieler begann seine Karriere Anfang der ´60er Jahre in der aufkommenden Rhythm- und Bluesszene . Er spielte mit Alexis Korner, Mick Jagger, Brian Jones und gründete in der Beatzeit Mitte der 60er zusammen mit dem gleichnamigem Musiker die Band MANFRED MANN. Diese Band hatte mit PAUL JONES dreizehn Hits in Folge wie „Ha, Ha Said The Clown“, „Just Like A Woman“ und „Mighty Quinn“. Ende der 6oer Jahre konzentrierte sich PAUL JONES auf seine Solokarriere, die ihn u.a. auch im Filmgeschäft und als erfolgreicher Radiomoderator etablierte. DAVE KELLY wurde durch seine Schwester JO ANN KELLY an den Blues herangeführt und spielte u.a. mit Muddy Waters, Howlin´ Wolf und John Lee Hooker, bis er der BLUES BAND beitrat, die zu seiner Passion wurde. Neben der BLUES BAND veröffentlichte DAVE KELLY zahlreiche erfolgreiche Soloalben. Vor der Gründung der BLUES BAND spielte DAVE KELLY zusammen mit dem Bassiten GARY FLETCHER. Die Zusammenarbeit war so harmonisch, daß Gary von Dave zur Gründung der Blues Band eingeladen wurde, den Bass zu übernehmen. TOM McGUINNESS spielte zusammen mit PAUL JONES bei MANFRED MANN. In den 70er Jahren formierte er zusammen mit HUGHIE FLINT, die erfolgreiche Gruppe McGUINNESS-FLINT. Mit dieser Band hatte er den No. 1 Hit „When I´m Dead And Gone“. HUGHIE FLINT, ursprünglicher Schlagzeuger der BLUES BAND, wurde der Tourneestreß zu viel, mit ROB TOWNSEND - ex Schlagzeuger von FAMILY und MEDICINE HEAD - wurde 1980 ein zuverlässiger und ausgezeichneter Ersatz gefunden. Mit der Gründung von THE BLUES BAND haben diese fünf Musiker 1979 ihren eigenen britischen Rhythm & Blues entwickelt, der den Enthusiasmus widerspiegelt, den die Band in ihre Musik legt. Mit der Bob Dylan Coverversion „Maggie´s Farm“ gelang Ihnen Mitte der 80er ein Charteintritt. Packende Gitarren in Wechsel zwischen Tom McGuinness und Dave Kelly, wechselnde Vokalparts zwischen Paul Jones und Dave Kelly, eine Bluesharp- Performance der Spitzenklasse von Paul Jones das sind die Pfeiler dieser Band. 2012 endlich das neue Studio Album „Short Line Stories“ mit dem die Band auf Tour
Blues Caravan: Sonntag 03.02. das Interview im Hard Rock Cafe
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Blues Caravan: Sonntag 03.02. das Interview im Hard Rock Cafe
Von der Homepage des Quasimodo: Samstag 02. Februar 2013, 22:00 h im Quasimodo Ruf Records presents: BLUES CARAVAN 2013 Tomorrow’s Guitar Heroes BLUES, ROCK / CAN, USA, UK Feat. Bart Walker, Joanne Shaw Taylor, Jimmy Bowskill Bart Walker (voc, g) Joanne Shaw Taylor (voc, g) Jimmy Bowskill (voc, g) Ian McKeown (b) Denis Palatin (dr) Nachdem in den vergangenen zwei Jahren die ‚Girls with Guitars‘ als betonte weibliche Attraktion durch die Länder zogen, werden bei der neuesten Ausgabe des von Ruf Records präsentierten Blues Caravan die Karten neu gemischt. 2013 wird die Bühne nämlich von zwei angriffslustigen Gitarristen aus Nordamerika zurück erobert. Die beiden Raubeine werden wiederum von einer dynamischen Gitarristin und Sängerin begleitet, die stets eine explosive Show voller rauer Emotionen bietet. Wenn dieses außerordentlich stark besetzte Trio los legt, geht es garantiert hart zur Sache. Jimmy Bowskill ist mit nur elf Jahren vom renommierten Bluesmusiker Jeff Healey entdeckt worden. Mittlerweile ist der junge Kanadier mehrmals in Europa unterwegs gewesen und hat 2012 mit dem Album Back Number ein kraftstrotzendes Studiodebüt für Ruf Records hingelegt. War sein Stil anfangs eher etwas für Traditionalisten, bewegt er sich seitdem immer mehr in Richtung Classic-Rock. Sein Trio ist als Support für Acts wie Jeff Beck, Joe Bonamassa oder Wishbone Ash stets gut angekommen, braucht aber längst nicht mehr im Schlepptau solcher Rock-Größen zu fahren. „Mein jetziger Sound ist zwar recht rockig, spiegelt aber letztendlich meine ganz eigene Vision des Blues wider“, erklärt Bowskill. „Ich bin erst Anfang 20 und voller Energie. Natürlich klingt der Blues bei mir anders.“ Bart Walker, dessen Debütalbum Who I Am 2012 auf positive Resonanz stieß, leistet einen durch und durch bodenständigen Beitrag zum neuen Caravan-Line-Up. Beim internationalen Blueswettbewerb IBC 2012 heimste dieser versierte Saitenkünstler mit Wohnsitz in Nashville den Award als bester Gitarrist ein. Schon länger brilliert er an der Seite des Country-Rockers Bo Bice und lässt auch in den eigenen Songs mächtig Southern-Feeling aufkommen. Seine Stärken als Songwriter, Sänger und nicht zuletzt als Gitarristen haben den ehemaligen Stevie Ray Vaughan-Keyboarder Reese Wynans derart beeindruckt, dass er Walkers Band beigetreten ist. „Als ich Bart das erste Mal sah, war mir klar, dass er etwas Besonderes ist, habe ich also die Chance ergriffen“, lobt der legendäre Double Trouble-Tastenmann. Die einzige Frau im Kader ist keine Fremde beim Blues Caravan: Erst im Rahmen der Tournee von 2009 ist Joanne Shaw Taylor so richtig durchgestartet. Heute lebt die Engländerin in Texas und hat mit dem dort aufgenommen Almost Always Never ihren temperamentvollen, mitunter heftigen Umgang mit dem Blues noch verfeinert. „Ich habe meine ersten Gigs schon mit 14 oder 15 gespielt. Erst mit diesem Album bin ich nah an einen Sound ran gekommen, der meinen damaligen Vorstellungen entspricht“, freut sich die Gitarristin. So festigt Taylor, die neulich bei den Feierlichkeiten zum 60. Thronjubiläum von Königin Elisabeth II an der Seite von Annie Lennox stand, ihren Ruf als Shooting Star des modernen Blues. Natürlich läuft nichts ohne eine erstklassige Rhythmusgruppe. Zusammen mit dem erprobten Caravan-Veteranen Denis Palatin am Schlagzeug sorgt Bassist Ian McKeown von der Jimmy Bowskill Band für ein solides Fundament. Die Musiker des 9. Blues Caravan sind ab Januar 2013 unterwegs und werden ein ganzes Jahr lang bei Club-Konzerten und auf Festivals ihr Können unter Beweis stellen. Weitere Informationen sowie sämtliche Tourdaten sind zu finden unter: www.bluescaravan.com
Siena Root - Root Jam 2011
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Siena Root - Root Jam 2011
Siena Root - Root Jam 2011 Seit 2004 wirbeln diese Schweden den trockenen Staub der skandinavischen Steppen auf und huldigen unverschämt authentisch und bodenständig den Rock der frühen Siebziger Jahre. Dezent ausufernde Retro-Rock-Jams, viel Led Zeppelin und Deep Purple, etwas Pink Floyd, bestückt mit einem Schuss Stoner-Rock. Auf der Doppel-CD „Root Jam 2011“ werden elf Songs (plus Intro) auch soundtechnisch klasse dargeboten. Siena Roots erstes Best-Of (hier als Live-Version) und das knallt ganz schön. Die Sitar wird heftigst geschrammelt. Würde man nicht wissen, dass diese schwedischen Retro-Rocker im Hier und Jetzt ihr Dasein fristen, man könnte meinen in einem gammeligen Rockschuppen anno 1971 einen frivolen Abend zu zelebrieren. In der linken Hand eine Kiffertüte, rechts einen Drink, elektrisierend tanzende Frauenkörper um einen herum, die trockene, dicke Luft geschwängert vom Qualm. Auf der Bühne eine Band, die total in ihrer Musik versunken, mit glasigen Augen ihre langen, aber kurzweiligen Songs wie Geschenkpäckchen ins Publikum wirft und sich dabei ein verschmitztes Lächeln nicht verkneifen kann. "Waiting For The Sun" sowie "Into The Woods" markieren die ersten Höhepunkte dieses erdigen Classic Rock längst vergangener Tage. Breaks und fricklige Jams jagen entlang der einsamen Straßen des Nordens, wie galoppierende Wildpferde in der Carmague im Sommerwind. Okay, Siena Root komponieren mitnichten radiotaugliche Ohrwürmer. Der Siena Root-Rock besetzt die Nischen guter, traditioneller Siebziger Jahre Rockmusik und die Jungs scheinen sich damit pudelwohl zu fühlen. Das fast dreizehnminütige "Words" startet furios wie eine Rakete, und du wähnst dich ins Goldene Dreieck geschossen. Wie damals, als man sich unbesorgt die Langsamkeit der Stunden mit neuen Drogen erkauft hat. CD Nummer Zwei startet dann mit dem fast balladesken "Trippin´". Es gönnt dem Zuhörer etwas Luft zum Verschnaufen, bevor die Sitar wieder kräftig im "Bhairavi Thumri" gezupft wird. Eine Musikform der hinduistischen sinnlichen Liebeslieder. "Dreams Of Tomorrow" katapultiert uns dann rockig wieder in die Neuzeit, bevor verträumte Orgelklänge den von Deep Purple beeinflussten Track "Long Way From Home" einleiten; kompositorisch kommt es einem gewaltigen, mächtigen Monster gleich. Fast wie eine kleine Rock-Oper: schön atmosphärisch und opulent, zudem mit herrlich-passenden Breaks. Im Outro dann fast zart und sinnlich-melancholisch strukturiert. Für mich eine der besten Kompositionen dieser Doppel-CD. Zurück in Richtung Orient geht´s mit "Rayasana" (Umschreibung u.a. für gesunde und ausgeglichene Ernährung), einem eher gemächlichen Rock-Groover. Zuletzt wird dem Ganzen die Krone mit dem Hammersong "Reverberations" aufgesetzt, einer dicht gespielten, sich explizit steigernden Jam-Nummer, fast satte siebzehn Minuten lang. Nach neunzig Minuten ist der schöne Spuk dann vorbei, das Glas Whiskey leer und feiner, silbergrauer Rauch steigt aus den Membranen der Boxen hervor, die noch leicht nachvibrieren. Ein starkes Livedokument! Homepage Siena Root [gallery link="file" columns="5" orderby="post_date"]
Tarja Turunen Interview Online
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Tarja Turunen Interview Online
Doro Pesch - Die sensible Powerfrau
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Doro Pesch - Die sensible Powerfrau
Tarja Turunen
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Tarja Turunen
People in the public eye are the object of our interest and our curiosity and thus of much speculation, many rumours, our affection or even our dislike. Only in the rarest of cases do we really know much about the person up there on the stage. What makes them tick, what are they really like? A long way from the artificial persona? Thanks to 60 minutes, I often have the good fortune to peek for a moment behind the scenes and discover a small part of the perfectly normal human being. Tarja Turunen is an unbelievably warm-hearted and likeable person. In the pictures – the photos and the video – you can see how much pleasure the short conversation gave us all. Nobody, not even Tarja, wanted us to go, and we would have loved to go on talking. But the next appointment was waiting. Yet we still have a grin on our faces, and neither Leif, nor Bernd, nor I have washed the place on our cheeks where Tarja kissed us goodbye. ....................................... Menschen, die in der Öffentlichkeit stehen, sind das Ziel unseres Interesses, unserer Neugier und deshalb vieler Vermutungen, vieler Gerüchte, unserer Zuneigung oder gar Abneigung. In den wenigsten Fällen wissen wir wirklich etwas über den Menschen da vorne auf der Bühne. Was bewegt ihn, wie ist er wirklich? Fernab der Kunstfigur? Durch 60Minuten habe ich immer wieder das Glück, einen kurzen Moment hinter die Kulissen schauen und ein Stück des ganz normalen Menschen entdecken zu dürfen. Tarja Turunen ist ein unglaublich herzlicher und liebenswürdiger Mensch. In den Bildern - Fotos und Video - könnt ihr erkennen, wieviel Freude uns die kleine Unterhaltung bereitete. Keiner, auch Tarja nicht, wollte sich trennen und wir hätten gern weiter geredet. Aber der nächste Termin wartete bereits. Doch noch immer haben wir ein Grinsen im Gesicht und die Stelle, auf die uns Tarja beim Abschied jeweils auf die Wange küsste, haben weder Leif, noch Bernd, noch ich, bisher gewaschen. [nggallery id=24] Tarjas Homepage
Christmas in the Heart – Tour 2012

December 3, 2012

Venue: Kurfürstliches Schloss Country: Germany Town: Mainz Ticket sales: http://www.ticketmaster.de/event/tarja-Tickets/43807 Promoter: Kbk Konzerts Notes: Tarja Turunen Quartet

Christmas in the Heart – Tour 2012

December 4, 2012

Venue: Passionskirche Country: Germany Town: Berlin Ticket sales: http://www.ticketmaster.de/event/tarja-Tickets/44341 Promoter: Kbk Konzerts Notes: Tarja Turunen Quartet

Christmas in the Heart – Tour 2012

December 5, 2012

Venue: Luise Albertz Halle Country: Germany Town: Oberhausen Ticket sales: http://www.ticketmaster.de/event/tarja-Tickets/44445 Promoter: Kbk Konzerts Notes: Tarja Turunen Quartet

Christmas in the Heart – Tour 2012

December 6, 2012

Venue: Peterskirche Country: Germany Town: Leipzig Ticket sales: http://www.ticketmaster.de/event/tarja-Tickets/44517 Promoter: Kbk Konzerts Notes: Tarja Turunen Quartet
Dead Can Dance - Lisa Gerrard
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Dead Can Dance - Lisa Gerrard
Don Broco rocks da house
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Don Broco rocks da house
Don Broco Markant Photoart Don Broco - Priorities on .
Ein Abendessen mit Steve Hackett
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Ein Abendessen mit Steve Hackett
Wir trafen Steve Hackett, 1971-1977 Gitarrist bei Genesis, anlässlich seiner Promo Tour für sein neues Album: Genesis Revisited II. Ich durfte mit Steve Hackett reden! Eines der Ziele, der Träume , die ich hatte, als ich 60Minuten ins Leben rief. Ein weiterer Traum wurde wahr und dementsprechend angespannt war ich vor dem Interview. Alles lief perfekt, Steve und seine Frau Jo empfingen uns ausgesprochen freundlich. Steve wirkte ausgelaugt nach einem Tag voller Interviews, lebte aber deutlich sichtbar bei dem Interview mit Jens auf und war im Gespräch dadurch mit mir voll da. Es wurde eines meiner Besten Interviews und als Krönung luden uns Joe und Steve ein, ihnen bein Abendessen Gesellschaft zu leisten.. What a day! Alle Bilder von Mark Kant, http://www.bodylightpainting.de [nggallery id=21] Anbei die offizielle Biografie von Steve Hacketts Homepage Steve Hackett is renowned as an immensely talented and innovative rock musician. He was lead guitarist with Genesis as part of their classic line up with Gabriel, Collins, Banks and Rutherford, that produced acclaimed albums such as Selling England by the Pound (a favourite of John Lennon). With Steve's extraordinary versatility in both his electric guitar playing and his composing, he involves influences from many genres, including Jazz, World Music and Blues. He is equally adept in his classical albums that include renditions of pieces by composers from Bach to Satie, his own acoustic guitar compositions that have gained the admiration of many, including Yehudi Menuhin, and ambitious guitar/ orchestra albums such as A Midsummer Night's Dream, recorded with the Royal Philharmonic. With Genesis, Steve's guitar playing produced some of the most memorable moments, from the sensitivity of his acoustic sound on Horizons and Blood on the Rooftopsto the dramatic rock guitar solos of Firth of Fifth and Fountain of Salmacis. As he embarked on his solo career he developed his exceptional range, pushing musical boundaries into exciting areas, inventing new sounds and also techniques such as 'tapping'. His solo career went from strength to strength and the mid eighties not only saw the hit single Cell 151, but also the Steve Hackett and Steve Howe super group GTR, highly successful in America. After GTR Steve worked further with many renowned musicians such as Paul Carrick, Bonny Tyler, John Wetton and Brian May, who has credited Steve as an early influence. Steve went on to produce his hit album Genesis Revisited. He went even further back to his roots with Blues with a Feeling, whilst continuing to challenge his own 'horizons' with an amazingly eclectic mix of sounds, genres and a sense of the exotic that excites his many followers to this day. Recent albums have possessed a high level of sophistication, along with an ever-present powerful dynamic, from the dramatic and atmospheric darkness of Darktown and Wild Orchids to the colourful voyage through time and space of To Watch the Storms. 2009's Out Of The Tunnel's Mouth, written and recorded in the midst of domestic and professional upheaval, was released to an overwhelmingly positive response from fans and reviewers alike, many of them proclaiming it his best ever. Hot on the heels of OOTTM was Beyond the Shrouded Horizon released in 2011, which has easily received an equally enthusiastic response. In 2012 Steve collaborated with Chris Squire of Yes on the "Squackett" album A Life Within a Day. Steve's live electric gigs take his fans on an extraordinary journey drawn from a rich musical heritage. Perennial Genesis favourites such as the mighty Firth Of Fifth sit alongside solo classics, while more recent material, with much of Out Of The Tunnel's Mouth and Beyond the Shrouded Horizon now included, demonstrate that Steve is an artist still at the very top of his game. Supported by some of the best musicians on the planet, Steve's unique guitar work remains the fulcrum on which this challenging and exhilarating show is balanced. Genesis' induction into the Rock And Roll Hall Of Fame in March 2010 stands as a testament to the enduring qualities of their music. Steve has always held a torch for the classic Genesis music. His Genesis Revisited II, a double CD, involves several iconic artists and contains many Genesis favourites. It is due for release in late October 2012 and a Genesis Revisited worldwide tour is planned to follow in 2013... Never one to rest on his laurels, though, Steve continues to blaze a trail with new material and to be an exhilarating and groundbreaking artist.
Personal Life
Steve was born on 12 February 1950 at London University Hospital. Except for an initial period south of the river and a brief time in Vancouver, Canada when he was seven years old, he spent his childhood and teens living in Pimlico, London. It was indeed a golden age of steam, with nearby Battersea Power Station and the trains belching out smoke... In contrast was the colourful excitement of Battersea Funfair, which inspired many of Steve's early dreams. His brother John was born on 13 March 1955. They enjoyed music together from an early age and both were playing instruments by the time they were in their teens. Both of Steve's parents June and Peter were encouraging with the music and Peter also possessed creative talent as an artist and painter. Steve experienced the changing face of the sixties first hand in his daily walks along the famous Kings Road to Sloane Grammar School, and he shared a fascination of all the new up and coming bands, as well as the wonder of books with his first girlfriend Barbara. She introduced him to the works of writers like Jean Paul Sartre and Albert Camus. He was heartbroken when they split up, but this didn't stop his hunger for music. He and his friend Jock loved to make the journey to Eel Pie Island for the musical experience of heroes like Peter Green and Paul Butterfield. Later on bands like King Crimson and the Jimmy Hendrix Experience became an inspiration. Through all this time Steve followed his musical path and put regular adverts into Melody Maker, until finally Peter Gabriel picked up on Steve's ad... Joining Genesis was a turning point for Steve - he was now living the dream. All the band members formed equally important parts of the Genesis story. Steve still loves the guys and the stunning work they created together. He married Ellen Busse in 1972. They had a son, Oliver in 1974 but they subsequently divorced. It was a difficult time for Steve, but he enjoys a good relationship with Oliver who lives in Germany. Another challenging time for Steve was when he left Genesis. He had enjoyed his journey with them and had some trepidation about starting out alone, yet he also felt the need to explore his own path. He had many creative ideas that he wanted to develop. Steve married Brazilian artist and jewellery designer Kim Poor on 14 August 1981. They divorced on 18 May 2007. A court case followed which came to an end in 2010. Steve married author Jo Lehmann on 4 June 2011. They often write lyrics and music together, which Steve then takes on to the next stage with Roger King. Steve is really proud of his band and team. Steve's output is particularly prolific these days, as his ideas continue to flourish and grow. He's always found that books have long been a rich source of inspiration and that life itself gives him ideas. He enjoys the experiences of his travels even more than ever as he explores many places with Jo. The moment he sees the Sphinx or a sunset over the Colosseum his notebook is out instantly and the notes start to flow...
Doro: Star und Mensch
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Doro: Star und Mensch
Eine Vorschau auf die nächsten Tage
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Eine Vorschau auf die nächsten Tage
Eine Vorschau auf die nächsten Tage Ich möchte mit einer Meldung beginnen, die in der momentan Hektik des Termin-Einhaltens, unterging: Der amerikanische Gitarrist Nick Curran starb am 06.Oktober 2012 im Alter von 35 Jahren an den Folgen seiner Krebserkrankung. Mit seinen beiden letzten Bands Nick Curran & The Lowlifes und Nick Curran & The Nitelifes machte er kernigen Rock `n` Roll, davor war er u.a. von 2005 - 2007 bei den Fabulous Thunderbirds. Das Photo entstand anläßlich des Auftritts der T-Birds beim Bluesfestival in Peer/Belgien 2006. R.I.P. Nick . Ein kurzer Nachruf von Volker! Weiter geht es mit den kommenden Ereignissen. Heute um 15.00 Uhr strahlt Frank über 88vier seine erste UKW-Sendung aus. Für alle die nicht in Berlin leben: Ihr könnt natürlich via 88vier.net im Internet mithören. Thema dieses Erstlings: Eisbrecher. Frank traf Eisbrecher am 3.10.12 in Bremen. Er stellt euch die Band heute im Gespräch und mit ihrer Musik vor. Samstag ist es endlich so weit. Mark Eden und seine "Under The Tongue" feiern den CD-Release im Frannz-Club Berlin. Einlass ab 19.30 Uhr und wir sind natürlich dabei! Ich hoffe ihr auch! Eintritt 10 Euro. Let's have a party!!! Sonntag um 16.00 Uhr geht es dann weiter mit 60Minuten in Berlin. Via 88vier live über UKW. Zu Gast im Studio: Ilja Schierbaum und Andreas Albrecht. Ilja ist Schauspieler und Musiker. Er wird von Andreas, seinem Mitmusiker, Labelchef und Produzenten begeleitet. Frank wird mit uns über Telefon das Album Re-Machined vorstellen, seine letzte Rezension und wenn alles klappt kommt Jens ins Studio. Er gibt uns ein kleines Update über die letzten Tage. Last nor least wollen Leif und ich uns über zwei neuerschienene Bücher unterhalten. Beide beschäftigen sich mit Johnny Cash. Nach der Sendung geht es dann direkt weiter zu Halestorm ins Interview. Halestorm tritt am Abend im Lido auf. Don't miss it! Wir führen ein Gespräch mit Lizzy Hale. Peter und Astrid sind am Abend für uns auf dem Konzert. Damit wären wir für für die nächsten Tage fast am Ende. Fast. Montag wartet noch ein ganz großer Knaller auf uns! Die Led Zepplin Kinopremiere des Films: Celebration Day. John Paul Jones wird anwesend sein und nach der Premiere in einer Pressekonferenz über das Projekt reden. "Celebration Day" wird dann am 17. Oktober auf 1500 Kino-Leinwänden über Omniverse Vision in über 40 Ländern zu sehen sein. Das wärs für die nächsten Tage!
Baroness - herausragende Musik muss nicht sprachlos machen
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Baroness - herausragende Musik muss nicht sprachlos machen
Den ganzen Artikel des Spiegel-Online findet ihr hier, ich möchte nur die beiden Punkte zitieren, die mich magisch anzogen und neugierig machten. 4. Ehrlich gesagt: Ich habe diese Textform gewählt, weil ich nach mehreren Anläufen den Versuch als gescheitert ansehen muss, die herausragende Musik mit kongenialer Sprachkraft zu loben. 5. Diese Liste ist also eine journalistische Kapitulationserklärung. Wir werden unsern eigenen Versuch einer Rezension wagen und in einem Punkt widerspreche ich Thorsten Dörting: diese herausragende musikalische Kraft spornt zu höchster Wortkraft an. Das Gespräch mit Baroness hat auch John und Allen Spaß gemacht, wie ihr an den Bildern aus dem Video erkennen könnt. Freut euch auf Baroness, wenn ihr noch irgendwo einen Platz bei den ausverkauften Konzerten ergattern könnt. Wenn nicht, holt euch zumindest die CD Baroness - "Yellow & Green". Die Homepage der Band [nggallery id=12]
Coogans Bluff - Clint Eastwood lässt grüßen
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Coogans Bluff - Clint Eastwood lässt grüßen
Coogans Bluff - Ein Hauch von Clint Eastwood : Neugierig machten mich ein Tipp von Volker und die Blechbläser in dem aktuellen Video der Band. Willi von "Coogans Bluff" zu Besuch im Sendestudio Alex. Nicht nur der Bandname scheint an den frühen Clint Eastwood zu erinnern. Die CD "Poncho Express" ruft Bilder des Films "Eine Handvoll Dollar" in uns hervor und das aktuelle Video "Beefhart", ein echter "Eastern", macht den Bezug ganz deutlich. Ob das wirklich so ist und wie es denn anders sein könnte, erfahrt ihr in unserem Gespräch mit Willi, Gitarrist und Organisator von Coogan Bluff. Alle Bilder von @MONA...Danke Mona:)! Homepage der Band Coogans Bluff [nggallery id=7]
Robert Cray - Nothing but 60minuten bei Youtube
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Robert Cray - Nothing but 60minuten bei Youtube
Robert Cray - Nothing but 60minuten
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Robert Cray - Nothing but 60minuten
Robert Cray - Nothing but 60minuten: Robert Cray zu Gast bei 60minuten im Sendestudio Alex. Mein Gott, war ich nervös. Gestern wusste ich nicht, dass Robert Cray in der Stadt ist, heute saß er im Studio und redete mit mir. Immerhin wurde er bisher mit fünf Grammies ausgezeichnet und ich denke sein neues Album, produziert von Kevin Shirley, kann es auch schaffen. [nggallery id=6]

/ Kings Of Leon - All Inclusive: Collection /
/ Buchbesprechung: Marc Halupczok - Louis de Funès /
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Kings Of Leon – All Inclusive: Collection

Mai

Über die Alben der Kings Of Leon muss nicht mehr viel gesagt werden. Fünf Studioalben hat die Band im Laufe der Jahre veröffentlicht und wohl jeder kennt irgendein Stück der Band. Man denke nur an Revelry, Sex On Fire, True Love Way, Use Somebody, Pyro, Radioactive und so weiter. Tolle Songs einer großartigen Band, die [...]

Category CDs/LPs vorgestellt DVD/BR Slider Written by Frank

Buchbesprechung: Marc Halupczok – Louis de Funès

Mai

Marc Halupczok: Louis de Funès Die soeben bei U-Line erschienene Biografie „Louis de Funès: Hommage an eine unsterbliche Legende“ ist ein schöner Anlass, eines der größten europäischen Filmtalente der 70er Jahre posthum zu würdigen. De Funès war nicht der Klamauk-Darsteller, als den die meisten ihn betrachteten, sondern ein Charakterschauspieler. Und die Rolle, die in Vollkommenheit [...]

Category Bücher Slider Written by Leif Allendorf

Alexa Hennig von Lange

Mai

Alexa Hennig von Lange – Der Atem der Angst Bereite ich mich auf ein Interview vor, bekomme ich unweigerlich einen Eindruck von dem, was uns da, wer uns da erwarten könnte. Vor allem als ich ältere Interviews von Alexa durchsah, dachte ich mir so ganz klammheimlich und leise: das kann spannend werden. Nein. Wurde es [...]

Category Allgemein Bücher Interviews Slider Video Written by Viktor

Kate Bush – Under the Ivy

Mai

Kate Bush – Under the Ivy Immer wieder bringt Großbritannien Frauen hervor, die zartesten Alter Werke erschaffen, die zu Klassikern werden, wie z.B. Mary W. Shelley, die mit neunzehn Jahren den ultra-düsteren Roman „Frankenstein“ schrieb. Das war 1818, dem Geburtsjahr von Emily Brontë, einer weiteren genialen englischen Schriftstellerin, der wir die Schauerromanze „Sturmhöhe“ verdanken, im [...]

Category Allgemein Bücher Slider Written by Leif Allendorf

Daft Punkt – Entspannte Musik für Lounge und mehr.

Mai

Acht Jahre liegen zwischen Human After und dem jetzt veröffentlichten, vierten Studioalbum Random Access Memories. Dazwischen spielten Daft Punk noch ein Live-Album und den Soundtrack Tron: Legacy ein, den ich sehr gelungen fand. Besonders nach dem 2011 herausgebrachten Remix-Album Tron: Legacy Reconfigured war ich sehr gespannt auf das neue Werk der beiden Franzosen, die mich [...]

Category CDs/LPs vorgestellt Neu eingetroffen Written by Frank

SUPPORT: Speiches MONOKEL

Sonntag, 10. Februar 2013

Doro Pesch - Die sensible Powerfrau

Christmas in the Heart – Tour 2012

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